Malagueta Music

V.A.

Anne Sasson — 2007-01-04T14:18:06Z

Seit mehr als 20 Jahren spielen afrikanische Musiker einen in Jamaica fast vergessenen Reggae, der ganz nahe an seinen Ursprüngen bleibt. Diese Musikrichtung war in Afrika schon lange beliebt, und fand nach dem Konzert, das Bob Marley 1980 anläßlich der Unabhängigkeit Zimbabwes in Harare gab, ein noch breiteres Publikum. Heute ist der Reggae im ganzen Kontinent verbreitet und präsentiert sich mit einem lebendigen, durch die afrikanischen Wurzeln geprägten Sound und meist sehr ernsten Themen.

"Reggae meets Afrika " versammelt zwölf Reggae-Künstler aus dem frankophonen Afrika, vorrangig aus der Elfenbeinküste. Ismael Isaacs Musik ist Reggae Groove pur. Deshalb gilt er bereits als Nachfolger von Alpha Blondy. Und Alpha Blondys "Solar System" produzierte das neue Album von Ahmed Faras, der sich hier mit glasklarer Stimme und kraftvollen Bläsern vorstellt. Tiken Jah Fakoly wird oft als "Griot des Reggae" bezeichnet. Er singt jedoch nicht wie die traditionellen Griots für die Reichen und Mächtigen. Im Gegenteil, er prangert in seinen Texten schonungslos politische und soziale Missstände in seinem Heimatland und im ganzen afrikanischen Kontinent an. Im Jahr 2000 erhielt er den "Prix Découvertes" von Radio France Internationale. Askia Modibo vermischt den Reggae mit dem pentatonischen Ouassoulou seiner Heimat Mali. Ebenfalls aus Mali stammt Kalori Sory, den seine musikalische Karriere in die Elfenbeinküste gebracht hat. Jedoch singt er nach wie vor in seiner Muttersprache Malinke. Guinea wird von Fode Baro vertreten, der beim franko-afrikanischen Hip-Hop-Projekt Bisso Na Bisso mitgewirkt hat. Omar Pène und Nahawa Doumbia überraschen hier mit Reggae Titeln, die sonst nicht zu ihrem Repertoire gehören. Der Senegalese bekam mit seiner ganz eigenen Mischung aus M'Balax, Blues, Jazz, Reggae und Salsa - dem Afro-Feeling - den südafrikanischen Kora-Preis im Jahre 1998, und die Sängerin aus Mali ist eine der wichtigsten Vertreterinnen der Ouassoulou Region, im Süden des Landes. Der junge Koraspieler und Griot aus Mali, Fode Kouyaté, dem der RFI/Découvertes Preis im Jahre 1991 verliehen wurde, vermischt Tradition und Moderne zu einem leichten, beschwingten Sound.

Als neue Entdeckungen - zumindest in Europa - gelten sicherlich Black Medio, Larry Cheickh und Djos Kezo, alle drei aus der Elfenbeinküste. Letzterer landete mit seinem Song "Djou" einen Hit in ... Neu Kaledonien, wo sich "Reggae meets Afrika" 4500 Mal verkaufen ließ!

V.A.

Anne Sasson — 2007-01-04T14:16:11Z

Um richtig gut zu sein, muss kubanische Musik den Sandunga haben, eine Mischung aus spanischem Salz und Ndungu - schwarzem Pfeffer. Diese würzige Mischung haben sich afrikanische Musiker längst zurückgeholt, vor allem in Westafrika und entlang des Flusses Kongo, denn von dort aus wurden die Sklaven einst nach Kuba verschifft. Salsa und Rumba waren schon vor der Unabhängigkeit in Afrika äußerst beliebt, und in den Metropolen der Kolonialmächte tanzten die feine weiße Gesellschaft und die afrikanische Elite begeistert nach den Latino-Hits. Von Dakar bis Kinshasa erkannte bald jeder die eigenen traditionellen Rhythmen im karibischen Sound wieder.

"African Salsa and Rumba" präsentiert 16 Künstler, die eine erhebliche Rolle in der Geschichte der afrokubanischen Musik auf dem schwarzen Kontinent gespielt haben. Im Senegal wurde das Or-chestre Baobab zur Legende, lange bevor Africando Mitte der 90er Jahre seine ersten Erfolge feiern sollte. Rudy Gomis, Baobabs Sänger und Komponist, sowie El Maestro Laba Sosseh sind weitere Vertreter des senegalesischen Salsa. Guinea, die Kapverden und Mali stellen sich ebenfalls vor mit Keletigui und Bembeya Jazz (hier mit dem Klassiker "Doni, Doni"), Fonseca und Tam Tam 2000 sowie Maravillas du Mali (Gründer Boncana Maiga studierte in Havanna Musik und rief mit Produzenten Ibrahima Sylla Africando ins Leben). Der aus Benin stammende Gnonnas Pedro (heute bei Africando) fühlt sich ganz besonders durch die Yoruba-Elemente in der kubanischen Musik angesprochen. Und Amédée Pierre aus der Elfenbeinküste rundet das westafrikanische Panaroma mit seiner markanten Stimme ab.

Viel südlicher, im Kinshasa der 50er Jahre, machte das Radio aus Rumba-Sängern regelrechte Stars. Die spanischen Texte wurden ins Lingala übersetzt, und bald darauf die akustische Gitarre durch die elektrische Variante ersetzt. Der kongolesische Rumba erhielt einen unverwechselbaren Sound, der streckenweise an Hawaii erinnert. Grand Kallé und sein African Jazz spielten bei dieser Entwicklung eine bedeutende Rolle. Franco und Tabu Ley Rochereau wurden über Nacht auf dem ganzen Kontinent zu Berühmtheiten. Auf dem anderen Ufer des Flusses, in Brazzaville, gründeten Nedule und Papa Noel die Bantous de la Capitale, die hier mit "Makambo Mibale" den nostalgischen Charme einer ganzen Epoche wiedergeben.

African Salsa and Rumba: 16 Titel zum Tanzen und Genießen ...

Catia Werneck

Anne Sasson — 2007-01-04T14:13:15Z

Schon als kleines Mädchen zieht Catia Werneck mit ihrer bezaubernden Stimme ihre Familie und die gesamte Nachbarschaft in ihren Bann - obwohl ihr strengstens verboten wird, ein Instrument zu spielen .... oder vielleicht gerade deshalb? Sie ist erst 16 Jahre alt, als sie den Musikpreis der Landesuniversität in Rio de Janeiro erhält. Die Zeiten, in denen sie von ihrem Vater mit einem Cruzeiro belohnt wird, wenn sie für ihn den Bossa Nova singt, sind jetzt vorbei. Fortan ist Catia Werneck in allen Clubs der brasilianischen Metropole zu hören und nimmt an unzähligen Studioaufnahmen teil. Mitte der 80er Jahre präsentiert sie am Broadway die "Brazil Tropical"-Revue, die anschließend in Paris unter dem Namen "Brazil en Fête" auf traurige Art und Weise in die Schlagzeilen gerät: Die Produzenten verschwinden spurlos, ohne die Künstler zu bezahlen !

Catia Werneck bleibt in Paris. Nach und nach erobert sie die französische Szene und tritt sehr schnell mit den Größten auf: Chico Buarque, Liza Minelli, George Benson ... Sie singt sogar den "Corcovado" im Duo mit Sarah Vaughan. Dort lernt sie auch den Gitarristen und Komponisten Marcelo Ferreira kennen, der der Bossa Nova-Interpretin ganz neue musikalische Wege zeigt.

Heute erscheint "Estrela do Sultão", das Debütalbum dieser temperamentvollen Brasilianerin, die dem klassischen Bossa Nova einen neuen Glanz verleiht. Lange Jahre hat Catia Werneck an den eigenen Kompositionen gearbeitet, bis die Melodien und Texte ihre Persönlichkeit widerspiegelten, gleichzeitig zurückhaltend und exzentrisch, romantisch und verspielt. An der Gitarre sprüht ihr langjähriger Freund und Mentor Marcelo Ferreira geradezu vor Fantasie und Lebensfreude. Catias Bruder Carlos spielt den Bass und arrangierte zusammen mit Ferreira die elf Stücke mit viel Feingefühl. Am Schlagzeug sitzt Luis Agosto Cavani, der laut Catia " eine gesamte Sambaschule ersetzt". Und mit samtiger Stimme erzählt Catia Werneck die Geschichte eines brasilianischen Sterns ...

MBilia Bel

Anne Sasson — 2007-01-04T14:10:33Z

Als die siebzehnjährige Mbilia Bel im Jahre 1976 als Backup für Abeti Masikini und später für Sam Mangwana zu singen begann, wurde ganz schnell klar, dass sie einmal die Sensation Kongos sein würde. Bald darauf brachte ihr der Einstieg in Tabu Leys Afrisa International die verdiente Aufmerksamkeit. Mbilia Bels klare Sopranstimme, ihre mitreißende Bühnenpräsenz sowie Tabu Leys Kompositionstalent begeisterten augenblicklich ganz Afrika und von diesem spannenden Duo wurde behauptet, es könne nur im Musikhimmel geschaffen worden sein. Der erste gemeinsame Song "Mpeve Ya Longo" - eine scharfe Kritik am Frauenmissbrauch in der Ehe - erschien 1982 und brachte Mbilia Bel nicht nur bei den zairischen Frauen große Anerkennung. Das folgende Album "Eswi yo wapi?" (Wo hat es dich verletzt?) wurde ein Riesenerfolg. Die gleichnamige Single wurde zum "Besten Song 1983" und Mbilia Bel zur "Besten neuen Künstlerin" Zaires auserkoren.

Im Jahre 1987 verlässt Mbilia Bel Afrisa International und widmet sich ihrer eigenen Karriere. In Paris begegnet sie dem Soukous- und Rumbagitarristen Rigo "Star" Bamundele und das gemeinsame Album "Phenomène" wird zum weltweiten Hit.

Mit dem Album "Welcome" kommt die "afrikanische Tigerin" nach einer langen Pause zurück und präsentiert eine äußerst gelungene Mischung aus kongolesischem Rumba und urbaner afrikanischer Popmusik. Souzy Kasseya und Manu Lima haben die Produktion und die Bearbeitung übernommen und die charakteristischen Rumba-Gitarrenmelodien mit südafrikanischem Chor-gesang, Afro R&B und Zouk-Love harmonisch vereint. Hinter Mbilia Bels sanftem Gesang verbergen sich durchaus ernste Themen. Sie prangert die Ausbeutung von Kindern an, ermutigt die afrikanische Jugend zu mehr Selbstbewusstsein und fordert sie gleichzeitig auf, an das Gute im Menschen und an die Notwendigkeit der Arbeit zu glauben. Trotzdem fällt es dem Hörer leicht, die harte Realität zehn melodiöse Stücke lang zu vergessen und sich von Mbilia Bels Engelsstimme einfach treiben zu lassen.

Septeto Habanero

Anne Sasson — 2007-01-04T14:08:03Z

El Son lo mas sublime ...

Ursprünglich stammt der Son aus dem Oriente, dem Osten Kubas. Ende des 19. Jahrhunderts verließ der sogenannte Son Montuno die Berge und das Hinterland und etablierte sich in Santiago de Cuba, wo Nené Manfugas ihn erstmals im Jahre 1892 im berühmten Karneval der Stadt spielte. Obwohl er sehr populär war, kam der Son erst 1909 nach Havanna. In diesem Jahr gründete Präsident José Miguel Gomez eine Armee, und die Soldaten aus Oriente brachten ihre Musik in die Hauptstadt. Eine der ersten Son Combos in Havanna war das Cuartato Oriente, dessen Mitglieder im Jahre 1920 das Sexteto Haba-nero unter der Leitung von Gerardo Martinez gründeten. Später kam die Trompete hinzu - gespielt insbesondere vom legendären Felix Chappotín -, und die Band wurde mit claves, maracas, tres, botja, bongo und Gitarre zum Septeto Habanero. Nach und nach wurden die Gründungsmitglieder durch jüngere Musiker ersetzt, so dass Septeto Habanero heute noch spielt und die älteste existierende Formation in Kuba ist.

Die meisten Werke dieser Original EGREM-Aufnahme stammen aus dem frühen 20. Jahrhundert und wurden vom Septeto Habanero-Gründer Gerardo Martinez komponiert. "Es gibt keinen alten oder neuen Son" erklärt der 70-jährige Pedro Ibanez, der seit 1995 die künstlerische Leitung der Band übernommen hat. "Es gibt nur einen einzigen Son mit Variationen wie bolero-son, guaracha-son, guajira-son ... Wir spielen weiterhin die Stücke des Sexteto der 20. Jahre. Der einzige Unterschied ist, dass heute Stimmen und Instrumente verstärkt werden".

Acht Jahrzehnte - acht Musiker, die zusammen an die 500 Jahre alt sind und dank ihrer langjährigen Erfahrung den perfekten Son der 20er Jahre liefern. El Son lo mas sublime präsentiert eine Musik, die damals viele als zu afrikanisch abtaten, die später vom Diktator Machado als subversiv eingestuft wurde, und die schließlich um die Welt gegangen ist. Von Harlem bis Kinshasa, vom Jazz bis zum Rumba, der Son hat die Musik des 20. Jahrhun-derts nachhaltig geprägt. Und die Soneros von Septeto Habanero werden uns in den nächsten Jahrzehnten mit Sicherheit weiterhin begleiten ...

Sam Tshabalala

Anne Sasson — 2007-01-04T14:06:29Z

"I will always be influenced by my South African background and years with the Malopoets, but have adapted the music to my new life and to the musicians I now work with. " (Sam Tshabalala)

Sam Tshabalala gilt als einer der wichtigsten Komponisten südafrikanischer Musik. Seine Karriere begann im Jahre 1978 mit den Malopoets, die zunächst in Südafrika und anschließend in den USA und Europa große Erfolge feierten. In den 80er Jahren durften die Malopoets wegen ihrer kritischen Texte nicht mehr im südafrikanischen Rundfunk gespielt werden und aufgrund des allgemeinen Boykotts gegen die Apartheidsregierung wurden ihre Auftritte im Ausland immer häufiger verhindert. Verzweifelt lösten sich die Malopoets Ende 1989 auf. Sam Tshabalala blieb in Frankreich im Exil, wo er bis heute in Paris lebt. Dort gründete er 1993 die Band "Sabeka", die noch im selben Jahr ihr erstes Konzert vor Nelson Mandela gab.

Das Album "Communication" ist ein Spiegelbild der Lebensgeschichte Sam Tshabalalas, eines Künstlers der gleichzeitig vom Mosaik der Völker und Kulturen seiner Heimat geprägt ist und die Einflüsse seiner neuen Umgebung in seine Musik einfließen lässt. Ein Teil seiner Lieder stammt noch aus dem Südafrika der Apartheid und des Widerstandes und konnte damals nicht veröffentlicht werden. Heute stehen seine Texte in Zulu, Xhosa, Sotho, Tswana und Englisch jenseits aller ethnischen Differenzen auf "Communication" friedlich nebeneinander. Verschiedene Kulturen findet man auch innerhalb seiner Band. Sabeka setzt sich aus Musikern unterschiedlicher Herkunft zusammen, deren Feeling für die südafrikanische Musik unüberhörbar ist und sich bis nach Südafrika herumgesprochen hat. Selbst Desmond Tutu ließ es sich nicht nehmen, bei seinem Besuch der Afrika-Halle auf der Expo Hannover, Sam Tshabalala und seine Band spielen zu sehen.

Für Sam Tshabala besteht kein Widerspruch darin, seine politischen Visionen in äußerst tanzbarer Popmusik südafrikanischer Prägung darzubieten. Der talentierte Keyboarder Patrick Bebey produzierte die zwölf Titel von "Communication" in Paris, und es ist ihm perfekt gelungen, Sam Tshabalalas rhythmische Melodien und ernste Texte mit einem fröhlichen und beschwingten Sound zu umhüllen. Zum Abschluss greift Sam Tshabalala zur selbstgebastelten Gitarre seiner südafrikanischen Anfänge, einer plattgeschlagenen Blechbüchse mit Gummibändern, die er mit einer Fahrradspeiche spielt. Ein Augenzwinkern, das "Communication" humorvoll abrundet!

Egschiglen

Anne Sasson — 2007-01-04T14:04:15Z

Zeitgenössische und traditionelle Musik aus der Mongolei

"Zazal" ist der Ritus, der jeden Morgen von den Frauen in der Mongolei vollzogen wird: Frischer Buttertee wird mit einer besonderen Schöpfkelle, dem "Zazal", in alle vier Himmelsrichtungen versprenkelt, um die Schutzgeister der Flüsse und der Berge zu besänftigen.

"Zazal" - erhabene Klarheit - ist ebenfalls der Name des Albums, in dem EGSCHIGLEN mit virtuoser Musikalität ihrer Experimentierfreudigkeit Ausdruck verleiht. Das Ensemble EGSCHIGLEN wurde 1991 in der Mongolei von Meisterschülern des Konservatoriums in Ulaanbaatar gegründet. Von Beginn stellten die Künstler die zeitgenössische Musik ihres Landes in den Mittelpunkt und erforschten systematisch die klanglichen Dimensionen dieses Repertoires mit traditionellen Instrumenten der Mongolei und den Gesangstechniken Zentralasiens. Der Name EGSCHIGLEN bedeutet soviel wie Wohlklang oder schöne Melodie. Tumenbayar Migdorj und Tumursaihan Yanlav singen und spielen die Pferdekopfgeige, moriin khuur, Uuganbataar Tsend-Ochir streicht und zupft den Bass. Der Solo-Sänger Amartuwshin Baasandorj spielt die Schwanenhalslaute tobshuur und singt im Stil des khöömii, des speziellen Kehlkopfgesangs, bei dem mit einem Grundton gleichzeitig Obertöne zu einer Melodie moduliert werden. Sarangerel Tserevsamba , die weibliche Stimme des Ensembles, spielt auch virtuos auf dem Hackbrett. Batbold Wandansenge bedient die fernöstliche Percussion und brilliert als zweite Solo-Stimme.

Die Musik eines Landes wird durch seine Landschaft und die Lebensweise seiner Menschen geprägt. Im endlosen Grasland im Süden, in der kargen Schönheit der Wüste Gobi sowie in den schneebedeckten Bergen des Altai und des Khangai lebt ein grosser Teil der etwas über zwei Mio. Mongolen noch heute als Nomaden im Einklang und Rhythmus mit der Natur und in Gemeinschaft mit ihren "Fünf Juwelen": Pferden, Kamelen, Rindern, Schafen und Ziegen. Die Musik der Mongolen atmet die Weite und Freiheit, die Kraft dieses elementa-ren Lebens mit der Natur. EGSCHIGLEN beeindruckt durch die Vielfalt des Ausdrucks. In ausgefeilten Arrangements interpretieren sie sowohl traditionelle Lieder als auch Werke zeitgenössischer Komponisten der Mongolei. Die Stücke sind oft von kammermusikalischer Fein-heit und Transparenz, dann wieder von ganz ur-sprünglicher mitreissender Kraft. Mal glaubt man die Hufe der kleinen zähen Mongolenpferde zu hören, auf deren Rücken Dschingis Khan das grösste Weltreich aller Zeiten gründete. Dann wieder führt die Musik hinein in die klare Stille der Gobi, wo nur der Wind in den Dünen singt.

Einerseits sind die mongolischen Klänge - besonders der khöömii-Gesang - für westliche Ohren fremd-artig und geheimnisvoll. Andererseits aber wirkt die Musik auch tief vertraut, denn sie bringt elemen-tare mensch-liche Gefühle zum Ausdruck: Lebensfreude, Sehnsucht oder Trauer. So führen uns die Musiker von EGSCHIGLEN weit weg in die faszinierende Kultur ihrer fernen Heimat und zugleich in die gemeinsame Mitte menschlicher Existenz, jenseits aller kulturellen Unterschiede.

Die Titel

Während sich in "hartai sarlag", "uils dundaa sain", "elstiin ganga" und "yan tai wan göögöö" Referenzen an den traditionellen Stil finden, spielt EGSCHIGLEN in der Mehrzahl der anderen Kompositionen mit melodischen Verwandlungen und entwickelt eine leuchtende Musik, in der sich seltsame Triller, guttu-rale Laute mit penta-tonischen Ausschweifungen mischen. In "haramgui" besingt Amartuwshin Baasandorj mit der sagen-haften Ausdrucksweise seines weichen diphonischen "khöömii" die Ewigkeit und den flüch-tigen Augen-blick. Im sehr melancholischen "helengiin barya" folgt Tumursaihan Yanlav mit seiner "moriin khuur" den Serpentinen-Schleifen des Flusses Herlen, gelegen im zentralen Osten der Mongolei. In der Interpretation des "Konzertes für moriin khuur", einem bedeutungsvollen Werk der neuen mongolischen Musik, ge-schrieben von dem 1996 verstorbenen Komponisten Hangal, kappt EGSCHIGLEN die Nabelschnur der Tradition und geniesst eine neue Freiheit. Mit "talin salhi", einer Improvisation, die interessanterweise auf einer japanischen Melodie beruht, um von den Abenteuern Dschingis Khans zu berichten, wird der Bruch mit der Norm endgültig vollzogen: Das Ergebnis ist der allererste rootsorientierte Rap in der mongolischen Geschichte.

Mongolische Instrumente und Gesangstechnik

Die Khöömii-Gesangstechnik wird auch Oberton- oder Kehlkopfgesang genannt. Sie erfordert grosse Professionalität im differenzierten Umgang mit der Stimme. Physiologisch gesehen, ist der khöömii ein komplexes Zusammenwirken von Bauch-, Zwerchfell- und Brustatmung, von Stimmbändern, Stimmritze und Kehlkopfknorpel, von Zunge, Lippen und Mundhöhle: Beim Obertongesang presst der Sänger mit grosser Kraft Luft durch die gespannten Stimmbänder, sodass Töne entstehen. Durch Verändern der Mundhöhle werden nach dem Resonanzprinzip jeweils andere Teiltöne dieses Gesangs verstärkt, sodass sich eine Melodie gestalten lässt.

Es gibt drei verschiedene Grundtechniken von khöömii :
Brust-khöömii - mit relativ hellem, hohem Grundton, der wie Pfeifen klingt und eine in höchste Höhen jubilierende Stimme ist,
Rachen-khöömii - ein rauher, fast röchelnder Basston und
kharkhira-khöömii, der die Brustresonanz nutzt. Der Ton liegt eine Oktave tiefer als der Rachen-khöömii.

Die Moriin khuur (Pferdekopfgeige): Das Instrument hat einen trapezförmigen Korpus, der frührer mit Haut bespannt war und heute aus Holz gefertigt wird. Die morin khuur hat einen langen, bundlosen Hals über den zwei Saiten aus Pferdehaar gespannt sind. Der Wirbelkasten ist nach vorne abgebogen und durch die Schnitzerei eines Pferdekopfes verziert. Das Instrument gilt als Repräsentation des Pfer-des, des edelsten Tieres der mongolischen Nomaden. Die eine der beiden Saiten hat 80-95 Pferdehaare, die andere ca. 100, die ent-weder mit senkrecht aufgesetzter Fingerkuppe oder mit seitlich aufgesetzen Fingernagel gespielt werden.

Die Tobshuur (Schwanenhalslaute) wird als Begleitinstrument zu heroischen Gesängen und Preisliedern verwendet, in denen Landschaften, siegreiche Ringkämpfe, Helden, Tiere, Gegenstände wie Pfeil und Bogen, Jurte etc. verherrlicht werden. Die tobshuur ist vor allem in der Westmongolei gebräuchlich.

Das Yoochin (Hackbrett) ist ein Saiteninstrument ähnlich der Zither, das mit Klöppeln angeschlagen wird.

Papa Wemba

Anne Sasson — 2007-01-04T14:01:53Z

Vor dreißig Jahren gründete der junge Jules Shungu Wembadio Pene Kikumba in Kinshasa seine erste Band (Zaiko Langa Langa). Seitdem kehrt er regelmäßig in die kongolesiche Hauptstadt zurück, um sich in dieser musikalischen Metropole neu inspirieren zu lassen. Damals trug er den Spitznamen "Presley", heute wird "Bakala Dia Kuba" - der weise Mann - respektvoll mit dem Beinamen "Papa" angesprochen. Zwei Jahre lang hat sich Papa Wemba intensiv mit den rhythmischen Wurzeln seiner Heimat auseinandergesetzt, um sie mit neuen Einflüssen und Sounds zu vermischen und eine melodische Grundlage für seine Texte zu schaffen. So entstand "Bakala Dia Kuba" - ein akustisch geprägtes Album mit sanftem Rumba und hitzigem Soukouss, getragen von Papa Wembas unvergleichlicher Stimme.

Der König der SAPE (Société des Ambianceurs et des Personnes d'Elégance - Gesellschaft der Stimmungsmacher und der eleganten Personen), der einst in seinen sündhaft teuren Designer-Anzügen Mobutu und die europäische Presse gleichermaßen empörte, ist vor allem wegen seiner Musik zum 100%igen Star avanciert. Papa Wembas langjährige Anhänger werden seinen ganz persönlichen Stil wiedererkennen, die anderen werden die einnehmenden Melodien und schwungvollen Rhythmen entdecken und ihnen bis in den kongolesischen Urwald folgen wollen.

Für "Bakala Dia Kuba" hat Papa Wemba einige seiner illustren Freunde eingeladen, die aus dem unermesslichen Reichtum der kongolesischen Musik schöpfen und jeweils eine Facette ihrer eigenen musikalischen Welt beisteuern: Ray Lema setzt sich mit viel Fingerspitzengefühl ans Klavier, Lokua Kanza liefert eine seiner unverkennbaren Kompositionen, Sec Bidens zeichnet für die meisten Stücke des Albums verantwortlich und Maurice Poto gelingt eine überraschende Bearbeitung des französischen Riesenhits der 60er Jahre: Richard Antonys "Biche oh ma biche" erscheint hier im modernen afrikanischen Glanz.

Papa Wembas Hauptthema ist nach wie vor die Liebe. Doch für "Bakala Dia Kuba" setzt er sich auch mit seiner Familiengeschichte auseinander, spricht seine verstorbenen Eltern, seine Kinder und seine Enkelkinder an, lobt die Bande, die Generationen zusammenhalten, auch wenn die Kommunikation teilweise schwierig erscheint. Generell bedauert er die Undankbarkeit der Menschen und wünscht sich die Selbstverständlichkeit des gegenseitigen Respeks herbei.

Papa Wemba ist auf seine Identität stolz und was sein Land ihm schenkt, möchte er der ganzen Welt weiterreichen, über die afrikanischen Grenzen hinaus. Wir nehmen dankend an ...

Koffi Olomidé

Anne Sasson — 2007-01-04T13:59:56Z

Die sechs Musiker von C.Q.M.D. (Ceux Qui Marchent Debout - Diejenigen, die aufrecht laufen) haben sich in Bars kennengelernt und sich überall herumgetrieben, wo man feiern und Musik hören kann. Felsenfest davon überzeugt, dass eine leicht verrückte Funk-Fanfare sich durchaus in die musikalische Landschaft integrieren lässt, gründeten sie im Jahre 1993 die Band mit dem skurrilen Namen. Seitdem haben C.Q.M.D. die Einflüsse aus Funk, Soul, Reggae und Ska völlig verinnerlicht und eindeutig ihren ganz eigenen Stil gefunden.

Ihre Musik basiert auf der beeindruckenden Rhythmik des Snare- und Bassdrum-Duos, kräftig unterstützt von Sousaphon und Banjo. Trompete und Posaune liefern melodische Passagen, die selbst im Vergleich zu ihren afro-amerikanischen Vorbildern aus den Seventies nichts zu wünschen übrig lassen.

Heute erscheint das vierte, etwas andere Album von C.Q.M.D., "Funky Stuff in a Reggae Style". Mit viel Spaß und Hingabe hat das gesamte Team die Songs ausgesucht, für die eigenwillige Coverversionen entstehen sollten. Ganz selbstbewusst bedienten sie sich weltweiter Hits von Johnny Guitar Watson, Al Green, James Brown oder Fela Kuti und vermischten sie mit einer guten Portion Reggae, Dancehall und Dub. Das Ergebnis ist eine Kombination aus vertrauten Melodien und Funk-Experimenten, bei der Spielfreude und eindeutiger Sinn für Humor nicht zu überhören sind.

Während ihrer weltweiten Tourneen haben C.Q.M.D. das Publikum, die Presse sowie die Film- und Musikindustrie überzeugt. David Byrne hat gleich zwei ihrer Titel für seine Compilation französischer Musik (Luaka Bop) ausgewählt, und Cedric Klapisch beauftragte sie, den Soundtrack für seinen Film "Und jeder sucht sein Kätzchen" zu komponieren. Sogar in den Clubs in New Orleans wurde die Funk-Fanfare mit standing ovation verabschiedet.

Verständlicherweise: denn dieser Groove liefert die beste Medizin gegen Kater, schlechte Laune und müde Beine. Mitfeiern unbedingt empfohlen!

Ceux qui marchent debout

Anne Sasson — 2007-01-04T13:56:17Z

Ihre Musik basiert auf der beeindruckenden Rhythmik des Snare- und Bassdrum-Duos, kräftig unterstützt von Sousaphon und Banjo. Trompete und Posaune liefern melodische Passagen, die selbst im Vergleich zu ihren afroamerikanischen Vorbildern aus den Seventies nichts zu wünschen übrig lassen.

Verständlicherweise: denn dieser Groove liefert die beste Medizin gegen Kater, schlechte Laune und müde Beine. Mitfeiern unbedingt empfohlen!