Malagueta Music

Terezinha Araújo

Anne Sasson — 2007-01-03T13:50:11Z

Terezinha Araújo beginnt ihre musikalische Laufbahn bereits als kleines Mädchen. In der Grundschule in Conakry (Guinea), wo ihre Eltern im Exil leben, singt sie Mornas und Coladeiras in einer Theatertruppe, die zu dem Zweck gegründet wurde, mitten im Befreiungskampf die kulturelle Identitäten der von Portugal kolonisierten Völker Guinea Bissaus und der Kapverdischen Inseln zu stärken. Als sie im Palácio do Povo (Volkspalast) in Conakry auftritt, wird sie von einer anderen Exilantin, Miriam Makeba, entdeckt, die fortan für ihre musikalische Ausbildung sorgt.

Bei einem Auftritt in Dakar im Jahre 1972 erfährt Terezinha zum ersten Mal, welche Emotionen ihre Stimme auslösen kann: vier Mal hintereinander muss sie Jota Montes Morna "Fidjo Magoado" singen, und das kapverdische Publikum ist buchstäblich zu Tränen gerührt. Nach diesem Auftritt geht sie mit der Truppe durch den Senegal, Gambia und Mauritanien auf Tournee und bereitet sich auf das 10. Internationale Festival der Jugend vor, das 1973 in Berlin stattfinden wird. Dort erhält Terezinha eine Auszeichung als jüngste Sängerin in der Geschichte des Festivals. Sie tritt bei einer Sonderveranstaltung an Miriam Makebas Seite auf, die Show wird in alle damals sozialistische Ländern live übertragen. Im September des gleichen Jahres geht Terezinha nach Yvanavo, eine Stadt 300 km nordöstlich von Moskau, wo sie das Internationale Internat besucht. Ihr dortiger Musiklehrer erkennt sofort ihr Talent und unterstützt sie.

Im Jahre 1975 geht Terezinha zum ersten Mal wieder nach Kapverden, das in diesem Jahr die Unabhängigkeit erlangt hatte. Dort trifft sie ihren Meister Val, der sie bittet, "Fidjo Magoado" zu singen, wobei sie vom Komponisten Jota Monte persönlich begleitet wird. In Yvanavo und später in Moskau, wo sie Pädagogik studiert, trägt sie immer mehr Verantwortung im kulturellen Leben, gründet und leitet das Afrikanische Ballett, wird zum Vorstand der Studenten aus Kapverden und Guinea Bissau gewählt, nimmt an zahlreiche Wettbewerbe teil, bei denen ihr Talent regelmäßig ausgezeichnet wird, bis sie 1985 endgültig nach Kapverden zurückkehrt, um beim Ministerium für Bildung und Kultur die pädagogische Koordination der Vorschulen und Kindergärten zu übernehmen. In jenem Jahr tritt sie zum ersten Mal als Solistin in der Kapverdischen Hauptstadt Praia auf und repräsentiert das Land beim Festival der Jugend in Nordkorea.

Anfang der 90er Jahre wird sie Gründungsmitglied des kulturellen Vereins Simentera und Lead-Sängerin der gleichnamigen Musikgruppe, deren erstes Album "Raíz" im Jahre 1992 veröffentlicht wird. Inzwischen hat sie mit der Band 4 CDs aufgenommen und ist jährlich auf Welttournee gegangen. In den letzten zehn Jahren ist sie in allen Europäischen Ländern sowie in den USA und in Brasilien unter anderem an der Seite von Paulinho da Viola aufgetreten. Sie hat in den größten europäischen Festivals Erfahrungen gesammelt, und im berühmten Pariser Olympia wurde die Band als Vorgruppe von Cesaria Evora mit standing ovation verabschiedet.

Heute widmet sich Terezinha Araújo einem Repertoire aus dem lusophonen Afrika, in dem die Kapverdischen Inseln, die legendäre "morabeza" (Freundlichkeit) ihrer Einwohner und die inzwischen weltberühmte "sodade" eine bedeutende Rolle spielen. Auch Liedern von José Carlos Schwarz aus Guinea Bissau, die vom Krieg und dem Befreiungskampf aber auch von der Liebe erzählen, räumt Terezinha Araújo einen Ehrenplatz ein. Mit glasklarer und emotionsreicher Stimme singt sie die Mornas ihres Vaters, José Araújo, schwungvoll interpretiert sie die Sembas und Rebita Angolanas ihres Onkels Eleutério Sanches. Dabei wird sie von virtuosen Musikern an Gitarren, Cavaquinho, Klavier und Perkussionen begleitet. Für die feinfühligen Arrangements zeichnet Simentera Mitglied Quim Bettencourt verantwortlich.

Gemeinsam präsentieren sie zehn Lieder, bei denen Melancholie und Lebensfreude direkt ins Herz treffen, Lieder aus jenen Ländern, in denen man aus Tränen die notwendige Kraft schöpft, um trotz aller Widrigkeiten zu tanzen und zu singen!

Die Presse über Terezinha Araújo

"Auf "Nôs Riqueza" stellt Terezinha Araújo ihre zarte, dennoch ausdrucksstarke Stimme in traditionelle Arrangements, die mit westafrikanischen Instrumenten wie Kora und Balafon bereichert wurde." (Stefan Franzen, TAZ)

"Die fantastische Sängerin Terezinha Araújo und ihre Musiker machten diese Fremdartigkeit so gefühlvoll zugänglich, dass man sie einfach lieben musste... Lyrisch, weich, intensiv und schwerelos tanzte ihre Stimme... Die Seele sang mit." (Berthold Schüßler, Westdeutsche Zeitung)

"Nichts ist wichtiger im Zeitalter auch kultureller Globalisierung als die Pflege gewachsener Eigenständigkeit. Das sah das Publikum genauso und erklatschte sich mehrere Zugaben." (André Krellmann, Süddeutsche Zeitung)

"Was für eine tolle Stimme! Glasklar. Durchs Ohr direkt ins Zentrum der Gefühle. Emotion pur... Der zwingende Rhythmus, die verblüffende Leichtigkeit des Musizierens und die warme Stimme faszinieren vom Opener bis zur Zugabe." (Siegener Zeitung)

"Unbändiger Optimismus und sehnsuchtsvolle Melancholie - ihre Lieder sind Liebeserklärungen an das Leben, die Hoffnung und die Herzlichkeit ... Bei ihrem umjubelten Auftritt zeigte sich das hohe künstlerische Niveau der Band. Gekonnt wechselten die Musiker das Tempo, unterstützten mit sonorem Chorgesang die ausdrucksstarke, klare Stimme von Araújo." (Gerhard Walter, Coolibri)

"Der grossartiger Perkussionist legte die Basis mit Djembe und Congas ... die anderen Instrumentalisten agierten immer im Dienste des jeweiligen Stückes, so dass die Stimme der absolute Fokalpunkt blieb. Die herzliche Atmosphäre zwischen Künstlern und Zuhörern gipfelte in gemeinsamen stehenden Ovationen." (Werner Lauterbach, Westfälischer Anzeiger)

"Im Mittelpunkt eine wunderschöne Frau von mädchenhaftem Charme, zurückhaltend, elegant, mit einer klaren, geschmeidigen Altstimme... Araújo benutzte kein Mikrophon; ihr Gesang kam aus jener Wirklichkeit, wo das Wort Musik nicht automatisch mit "Business" verbunden wird." (Westfälische Rundschau)

"Die Lieder sind in einer zurückhaltenden Art weder richtig fröhlich noch traurig, erzeugen vielmehr ein angenehmes Gefühl von Melancholie, bei dem man sich zurücklehnen und entspannen möchte." (Rheinische Post)

Arto Tunçboyaciyan

Anne Sasson — 2007-01-03T13:46:13Z

Diese Album ist Arto Tunçboyaciyans sehr persönliche Liebeserklärung, das er seiner Mutter widmet. "Love Is Not in Your Mind" ist ein Duo Projekt mit Vahagn Hayrapetyan - dem herausragenden Pianisten und Keyboader der "Armenian Navy Band".

Alle Kompositionen sind "Lesezeichen" in Arto Tunçboyaciyans außergewöhnlicher Lebensgeschichte und 35 Jahre andauernden Karriere als Komponist, Multi-Instrumentalist und Sänger, der 1957 in der Türkei mit armenischen Wurzeln geboren wurde. Einer der größten Einflüsse, musikalisch wie persönlich, hatte sein Bruder Onno, selbst hochgeschätzer Musiker, der Arto nicht nur als Bruder und Freund, sondern auch als Musiker motivierte seinen eigenen Charakter zu formen. Seine Karriere begann Arto mit elf Jahren als er mit seinem Bruder zusammen traditionelle Musik spielte und aufnahm und sich zunehmend in Europa und der Türkei als professioneller Studio- und Sessionmusiker Musiker etablierte. 1981 übersiedelte Arto in die USA, um den vielfälltigen und subtilen Begrenzungen seiner Identität zu entfliehen, die er als Teil der armenischen Minorität in der Türkei klar verspürte, um neue kreative Impulse zu bekommen und seine Wahrnehmung der Welt zu erweitern. Seitdem tritt er weltweit als Interpret seiner eigenen Kompositionen auf.

Alle Stücke auf "Love Is Not in Your Mind" sind unendliche "Liebesgeschichten" : "Welcome Boo Boo" - ein überschwänglich glückliches Liebeslied für seinen Sohn Seto, anlässlich seiner Geburt vor 19 Jahren …. oder "New Flower" - eine Liebesaffäre mit seinem neuen Instrument "Bular", das vor einigen Jahren von Arto entworfen und vom grossen armenischen Instrumentenbauer Armen Blbulian gebaut wurde - mit der er zerbrechlich-melancholische Gefühle menschlicher Prüfungen erklingen lässt. Die poetische Kraft seiner Liedtexte drückt er mit seiner unverkennbaren Stimme aus. Er trommelt mit überschwänglicher Freude auf seinen Handtrommeln bakdav. In Kooperation mit Vahagn Hayrapetyan, dem jungen Pianisten aus Yerevan findet Arto sein Gegenspieler und Komplizen, um seine persönlichen Visionen und Erfahrungen klanglich auszudrücken.

"Viele Menschen haben falsche Vorstellungen oder verwechseln und missverstehen:

· Liebe - Passion: Was ich über die Liebe weiss, ist, dass sie Hingabe, Sorge, Respekt, Aufrichtigkeit, bindende Verpflichtung, Unterstützung, Pflichterfüllung und Verzicht bedeutet.

· Respekt - Dummheit: Respekt ist, wenn man die Rollen akzeptiert, die das Leben Dir gibt. Dummheit ist eine Wahl.

· Stärke - Leichtsinn, Eigensinnigkeit : Wenn man für Respekt, Wahrhaftigkeit, Vertrauen steht, und für seine eigene Würde, dann ist das Stärke. Eigensinnigkeit kann gut oder schlecht sein. Man muss selbst das Gleichgewicht zwischen diesen Polen herausfinden.

· Kreativität - Popularität: Ich möchte die kreative Seite zu einer populären machen. Wenn man mit einer Marketing-Form populär wird, dann ist das das Ende der Popularität. Wenn man mit der Kreativität populär wird, dann ist das ein unendlicher Anfang.

· Erfahrung - Alter : Viele Menschen realisieren nicht, wie wichtig Zeit ist. Erfahrung bedeut für mich, den Augenblick in Erinnerung zu halten, zu erkennen und wieder zu erinnern, wenn die Zeit kommt, wo dies erforderlich ist. Man muss wissen, wie man den Augenblick lebt.

· Mutter - Frau, die Kinder gebährt: Nur weil man einem Kind das Leben schenkt, wird Frau noch nicht zur Mutter. Mutter sein bedeutet Hingabe, Geduld, Liebe, Respekt, Wahrhaftigkeit, Aufrichtigkeit, Unterstützung, Sorge und Pflichterfüllung. Was ich in meinem Haus kennengelernt habe, das ist meine Mama. Ich habe sie niemals vor mir schlafen gehen sehen oder nach mir erwachen. Ich habe immer ihre Liebe gefühlt, für mich da zu sein und unser Haus im Gleichgewicht zu halten. Dies gab mir grosses Vertrauen und positive Kraft. Ich bin stolz, eine Mama wie Dich zu haben, und auch meine Frau und meine Schwester sind wunderbare Mütter.

"Ich verlor meine Mutter am 17. Mai 2003 im Alter von 46 Jahren. In diesem Moment realisierte ich, dass es keinen Altersunterschied gibt zwischen der Liebe einer Mutter und der des Kindes." Arto Tunçboyaciyan

Dieses Album erscheint gleichzeitig mit dem Album "Artostan" von Arto Tunçboyaciyan auf dem Label Heaven and Earth (HE15). Beide Alben ergänzen sich gegenseitig und stellen Artos Philosophie und höchsten Werte "Liebe, Respekt und Wahrheit" in den Mittelpunkt.

Arto Tunçboyaciyan

Anne Sasson — 2007-01-03T13:44:38Z

"Viele Menschen haben falsche Vorstellungen oder verwechseln und missverstehen:

· Liebe - Passion: Was ich über die Liebe weiss, ist, dass sie Hingabe, Sorge, Respekt, Aufrichtigkeit, bindende Verpflichtung, Unterstützung, Pflichterfüllung und Verzicht bedeutet.

· Respekt - Dummheit: Respekt ist, wenn man die Rollen akzeptiert, die das Leben Dir gibt. Dummheit ist eine Wahl.

Jim Berenholtz

Anne Sasson — 2007-01-03T13:37:25Z

Das Album "The Psalms of Ra" wurde für den computeranimierten Film „Die Gräber der Pharaonen“ , der anlässlich der Tutanchamun-Austellung in der Kunst- und Ausstellungshalle Bonn vorgeführt wird. Es besteht aus einer CD und einem aufwendigen gebundenem Buch im CD-Format. The Psalms of Ra stellt eine symbolische Reise durch den Tag dar. Vom Sonnenaufgang zum Sonnenuntergang zurück zum Sonnenaufgang wird der Hörer von der Geburt zum Tod und schließlich zur Wiedergeburt geführt. Die meisten Texte sind in Altägyptisch, viele stammen aus dem "Ägyptischen Buch vom Tod". Musikalisch werden westliche symphonische Orchestrationen mit traditionellen Instrumenten aus dem Nahen Osten zusammengebracht. Während der letzten 15 Jahre ist Jim Berenholtz regelmäßig nach Ägypten gereist, um dort die traditionelle Flöte entlang des Nils und in der Wüste zu spielen.

http://www.psalmsofra.com http://www.jimberenholtz.com http://www.kah-bonn.de

Rodrigo y Gabriela

Anne Sasson — 2007-01-03T13:34:14Z

"Wir kommen aus Mexiko, nicht aus Spanien", betont Gabriela, "und wir spielen keinen Flamenco. Unsere Musik ist eher eine Art Mischung, mit Rock'n'Roll und Jazz. Wollt Ihr etwas von Metallica hören?"

Rodrigo y Gabriela starten ihre musikalische Laufbahn in einer Heavy-Metal Band in Mexico City, bevor sie auf akustische Gitarre umsteigen, den Atlantik überqueren, um in Dublin erst auf der Straße, dann in Kneipen ihren eigenen Stil zu entwickeln. Dort meistern sie die schwierigste aller Musikeraufgaben und begeistern in überfüllten, lauten Pubs mit leisen Gitarren ein immer wachsendes Publikum.

In der traditionellen mexikanischen Musik stehen Saiteninstrumente, insbesondere die Harfe und die 5-saitige Vihuela im Vordergrund. Sie werden in hohen Tonlagen gespielt, um eine aufgeheizte, bis zur Exaltation aufregende Stimmung zu erzeugen. Rodrigo y Gabriela lösen bei jedem Konzert einen mindestens genau so starken Ausbruch von Begeisterung aus. Ihr Gitarrenspiel ist schlicht atembe-raubend, sie stimmen ihre Rhythmen und Melodien fein aufeinander ab, bei denen die Anleihen an mexikanischer Folklore, Flamenco, Jazz und Rock gleichermaßen zu erkennen sind.

Die Musik von Rodrigo y Gabriela hat ihren einstigen rockigen Gitarrensound behalten, die Saiten werden aber mit einer subtilen Fingerfertigkeit gezupft. Stellenweise konzentriert sich Rodrigo auf blitzschnellen Jazz oder spanische single-string Technik, während Gabriela ihn rhythmisch unterstützt. Dann übernimmt sie das Plektrum mit einer überaus delikaten Feinfühligkeit. Neben den eigenen Kompositionen wechseln sie nahtlos von Metallica (One) zu Take Five, wobei die Gitarre hier und da als Perkussionsinstrument dient. Auch Piazzolla's Libertango wird in einer neuen Bearbeitung mit Violine präsentiert.

Rodrigo y Gabriela sind auf der Bühne zu Hause. Sie bespielen ununterbrochen große und kleine Säle und haben bereits ein breites Publikum auf berühmten Festivals wie Glastonbury oder Womad erobert. Als sie an der Londoner South Bank als Support für Salif Keita im letzten Sommer aufgetreten sind, behauptete der "Independent", die beiden seien die tatsächlichen Stars des Abends gewesen. Nach ihren ersten Studio-Alben "Foc" und "Re-Foc" sollte nun die Energie der Live-Auftritte festgehalten werden. So entstand "Live Manchester and Dublin", das sich aus 2 Konzerten zusammensetzt, die Rodrigo y Gabriela in der Manchester Academy und in der Christ Church Cathedral gegeben haben. Trotz der schwindel-erregenden Virtuosität, die ein großes Maß an Konzentration erfordert, scheinen Rodrigo y Gabriela vom ersten bis zum letzten Stück von reiner Spielfreude angetrieben zu sein.

"Schärfer als eine ganze Tüte voller mexikanischer Chilischoten" schreibt die englische Presse über Rodrigo y Gabriela. Das Publikum ist mit dieser Aussage mehr als einverstanden und feuert seine neuen "guitar heroes" mit unüberhörbarer Begeisterung an.

Bonus Video-Track von Capitan Casanova für PC und MAC

Die Presse über Rodrigo y Gabriela

The Guardian, Tuesday March 1, 2005 "You can do lap-dancing or striptease to this," announces Gabriela as she launches into another complex composition. She and Rodrigo deserve to be the next guitar heroes., The Guardian Total Music Magazine - Oct 04 "the delights of flamenco meets jazz meets rock guitar virtuosity played with passion and spirit - no pointless guitar wank-a-thons here, just astonishingly beautiful, fluid, musical magic - then look no further, this is brilliant. The Independent (UK) - Nov 04 - Lock 17, Camden Town, London When Rodrigo and Gabriela made their South Bank debut last summer as support for Salif Keita, nobody expected much of them. And neither did the organisers, leaving this Mexican pair to find a space amid the main act's clutter to do their humble biz at the front of the stage. But they proved to be electrifying: when the Malian superstar came on nothing he did could prevent a feeling of anticlimax: they had been the stars of the show. Total guitar This is the most dramatic and entertaining acoustic album this year Songlines Oozes Latin Appeal, Beautifully Melodic, Hugely dynamic and addictively melodic Sunday Times They're not jazz guitarists, yet they do play jazz standards. They're not rock guitarists, yet they can play heavy metal, and they're not Mexican folk or flamenco guitarists, though Latin rhythms form the crucible of their sound. Classic Rock Society An outstanding piece of work by outstanding musicians HMV Choice This is your chance to hear what everyone is talking about Boys Toys So catchy you'll need a chisel to remove it from your CD player Total Guitar Funny, clever and scarily agile, this is the most dramatic acoustic album this year The Guardian They are both extremely fine and original guitarists, capable of trading cool, slick or furious licks BBC Music There can be no doubting the promise of this duo, and the Irish-Hispanic mix could be a heady source of future experiments - and no doubt some hits Time Out (London) Gobsmackingly proficient and inventive...those that caught their set at Glastonbury came away waxing rapturously.. Jazzwise A dextrous guitar duo from Mexico City, Rodrigo Sanchez and Gabriela Quintero epitomise all that is great and trailblazing in world fusion

Ousmane Touré

Anne Sasson — 2007-01-03T13:25:49Z

Nach einer bemerkenswerten internationalen Laufbahn als Sänger von Touré Kunda präsentiert Ousmane Touré sein neues Solo-Album "Avenue du Monde", das Reisetagebuch eines Mannes, dessen Leben reich an Erfahrungen, Begegnungen und ethnomusikalischen Abenteuern ist.

Zwischen 1983 und 1990 war Ousmane Touré die Stimme der Band Touré Kunda und füllte Fußballstadien in der ganzen Welt. Die Hits wechselten sich ab, Touré Kunda erhielt eine goldene Platte nach der anderen, darunter für das berühmte Live-Album "Paris-Zinguinchor", das mehr als 200 000 Mal über den Ladentisch ging.

Als erfahrener Komponist und Musiker trifft Ousmane Touré auf neue Leute. Er tourt durch die Vereinigten Staaten mit Manu Dibango und ist Co-Autor des internationalen Hits "Africa Bamba", von dem Carlos Santana 18 Mio. Stück verkaufen wird.

Im Jahre 2000 kehrt Ousmane Touré zu seinen Wurzeln zurück und nimmt in Dakar das akustische Album "Lolo" auf, von dem 80.000 Exemplare in Westafrika vertrieben wurden. Heute präsentiert er dem internationalen Publikum "Avenue du Monde", das Album der Reife, Vollkommenheit und Freude.

Ousmane Touré ist an allen Kompositionen von "Avenue du Monde" beteiligt, ihm ist eine moderne und originelle Musik gelungen, in dem er sich von den verschiedensten Einflüssen hat inspirieren lassen. Traditionelle Instrumente vermischen sich mit modernen Beats, Kora und Gitarren lassen einen erstaunlichen Dialog entstehen, untermalt durch die ursprünglichen Rhythmen der Djembes und Udus, wobei Afrika stets den filigranen melodischen Hintergrund bildet. Die Stimme Ousmane Tourés wirkt wie Magie, kraftvoll, sanft und betörend zugleich.

Ousmane Touré betrachtet die Welt mit dem Blick eines Kindes und dennoch besitzt er die Weisheit eines reifen Mannes. Auf der Bühne wie zuhause strahlt er die gleiche Ausgelassenheit und Sanftheit aus. In Wolof, Mandingue, Französisch und sogar kapverdischen Créole singt er meist Liebeslieder. Doch Ousmane Touré ist nicht nur ein Sänger, er erzählt Legenden, die direkt aus den Geschichten der Griots entsprungen sind und universelle Themen ansprechen. Zurückhaltende Arrangements, feinfühlige Instrumentierung und perfekt aufeinander abgestimmt Musiker bringen Ousmane Tourés unvergleichbare Stimme zur Geltung. Die zehn nach innen gekehrte und ergreifende Stücke drücken eine Sinnlichkeit und Intensität aus, die weit über die Ufer der Casamance bis in die "Avenue du Monde" erklingen werden.

Die Konzerte: 23. Juni : Berlin, Festival Francophonique 25. Juni : Weltnacht Bielefeld, Detmold

Die französische Presse über das Album: "Eine traumhafte Instrumentierung ... ein Erfolg der großen Klasse." (World, 2005) "Eine der größten Stimmen Westafrikas." (Mondomix.com, 2005) "Betörend, multikulturell, eine wahre Freude." (Metro, 2005) "Ein Magier des musikalischen Geschmacks." (Virgin, 2005) "Multiinstrumentalist, Autor, Komponist und Interpret, der Künstler vereint Kultur und Talent. Ein gelungenes narratives Album." (Musique Info Hebdo, 2005)

Die Lieder: Mandou: Die Demut (Wolof) Eine Aufforderung zur Demut als Grundstein des Respekts, der die Größe der Menschheit ausmacht.

Beng: Komm (kavperdisch Créole und Wolof) Der Mann spricht ein junge Frau aus den Kapverden an und bittet sie, zu ihm zu kommen, ganz nahe bei seinem Herzen.

Dimba: Die Flamme (Mandingue) Die unberührbare Flamme, die den Erfolg symbolisiert und die Welt fasziniert.

Terena Mou Teu: Flüchte vor dem Bösen, ich flehe Dich an, hör mir zu (Wolof) Eifersucht, Verachtung, Unterdrückung und Verrat werden Dich verfolgen, wenn Du Dein Herz nicht öffnest...

Simbala: Setz Dich hin (Mandingue) Simbala ist eine Liebeserklärung. Setzt Dich hin und lächle. Lass mich Dich anschauen ...

Yomi: Du (Wolof) Verzweiflung eines Mannes wegen einer jungen Frau, die ihr Liebesversprechen nicht gehalten hat.

Disso: Liebesgeflüster (Wolof) Der Mann lädt seine Liebste ein, die Vollkommenheit einer reinen Liebe und sanfte ins Ohr geflüsterte Worte zu teilen.

Sembo: Die Stärke (Mandingue) Die Stärke des Geistes ist konstruktiver als die körperliche Stärke.

Avenue du Monde: Avenue der Welt (Französisch) Eine Reise der Entdeckung des anderen durch universelle Werte wie Großzügigkeit und Bereitschaft zu teilen.

Leer: das Licht (Wolof) Das Licht, die Aura beleuchten jeden von uns. Lassen wir unsere Seelen sich mit der Sanftheit, der Freude, dem Glück und die Liebe vereinen.

Pedro Soler

Anne Sasson — 2007-01-03T13:12:34Z

"Pedro Solers Finger sind die fünf Sinne der Gitarre. In seinen Händen vermag die Gitarre zu sehen, hören, singen, fühlen und sprechen" lobt Literaturnobelpreisträger Miguel Angel ASTURIAS den Flamenco-Meister in den höchsten Tönen.

Pedro Soler wurde im Jahre 1938 geboren. Dass viele ihn älter einschätzen, als er eigentlich ist, liegt vermutlich daran, dass er in sehr jungem Alter in den Kreis der Flamenco-Meister aufgenommen wurde. Er kommt genau am Todestag von Manuel Vallejo nach Madrid und trifft in der legendären Villa Rosa am Santa-Ana-Platz die berühmtesten Persönlichkeiten des Goldenen Alters. Er begleitet Pericón de Cadix, Rafaël Romero, Bernado de Los Lobitos und hat das große Glück, Pericón del Lunar (Vater) und Manolo de Huelva zu sehen und zu hören. Pedro Soler wird von dem Flamenco-Sänger Jacinto Almadén entdeckt, der seine Feinfühligkeit zu schätzen weiß und ihn als seinen persönlichen Gitarristen ausbilden will. Pedro Soler lernt vor allem mit dem Erstgitarristen der Truppe Pepe de Badajóz. Die Anweisungen des Meisters fallen eher spärlich aus: "so ist es richtig, so ist es falsch" bekommt der wissensgierige junge Mann lediglich zu hören. Alles andere saugt er durch jahrelanges Zuschauen und aufmerksames Hören auf. Pedro Soler wird Jacinto Almadén bis zu dessen Tode durch die ganze Welt begleiten. Inzwischen ist Pedro Soler selbst ein Meister der Gitarre geworden. Die Tänzerinnen Carmen Amaya, La Chunga und vor allem La Joselito prägen sein Spiel nachhaltig. Auch wenn Pedro Soler insbesondere für die Reinheit seines Stils geschätzt wird, bleibt er für andere Musikrichtungen offen. Er spielt mit Atahualpa Yupanqui, dessen hoher musikalischer Anspruch und Strenge für ihn stets richtungsweisend waren. Er spielt Rumba Catalana mit den Musikern des Viertels Saint Jaume im südfranzösischen Perpignan, nimmt mit den Brasilianern Nonato Luiz oder Maria Bethânia auf, arbeitet mit der griechischen Sängerin Angélique Ionatos, dem Basken Beñat Achiary oder dem Inder Ravi Prasad zusammen.

Pedro Soler weist eine beeindruckende Diskographie auf. Am vorläufigen Ende dieser beeindruckenden Liste erscheint heute "Luna Negra." Das Album beinhaltet acht Stücke, deren Ruhe und Ausgeglichenheit den Hörer von der ersten bis zur letzten Note in ihren Bann zieht. "Es ist ein Album der Reife und des Wohlgefühls," erklärt Pedro Soler, "ich mag keinen hektischen Flamenco, der lediglich dazu dienen soll, die Technik der Tänzer zu unterstreichen. Flamenco ist eine Welt des Ausdrucks, eine außergewöhnliche Musik, irgendwo zwischen Orient und Okzident angesiedelt… Ein bisschen wie der Blues, ist er der Ausdruck der menschlichen Seele."

Vierzig Jahre auf den Bühnen dieser Welt haben Pedro Solers Leidenschaft nicht im geringsten gemindert. Seine Präzision und Reinheit, die oft mit der eines Diamanten verglichen wurde, löst nach wie vor eine geradezu unerklärliche Freunde und Zufriedenheit aus. Die nüchterne Strenge seines Gitarrenspiels bringt die "alegrias y penas", die Freude und das Leid des andalusischen Folkes perfekt zum Ausdruck. Jeder der bislang glaubte, keinen Flamenco zu mögen, sollte "Luna Negra" hören: es ist durchaus möglich, dass er seine Meinung ändern wird.

Abed Azrié

Anne Sasson — 2007-01-03T13:03:25Z

Abed Azrié, der gebürtige Syrier mit dem langen silbernen Haar, stellt auf seinem eigenen Label Doumtak ein neues Album vor: "Suerte Live". Das Mysterium von "Suerte Live" spielt sich in einem Raum zwischen Spanien und dem Orient, zwischen Mittelalter und Moderne, zwischen Wirklichkeit und Mystik ab. Wie bei den vorherigen Werken "L'Epopée de Gildamesh", "Les Soufis" oder "Aromates" greift "Suerte Live" die Schönheit der arabischen Poesie auf, um sie mit einnehmenden Melodien zu vertonen.

Abed Azriés Lebenswerk besteht aus Legenden, Musik und Dichterkunst. Er wurde in Alep geboren, der Wiege der mediterranen Kulturen an der Grenze zwischen Orient und Okzident, umgeben von griechischen, persischen und armenischen Einflüssen. Er studiert arabische Literatur an der Universität in Beirut, und als er im Jahre 1967 die französische Hauptstadt kennen lernt, beschließt er, sich an der Seine niederzulassen. Nicht weit von dem Weinberg im Pariser Viertel Montmartre sitzt er zwischen seinen unzähligen Büchern, sucht und findet immer neue Inspirationsquellen. Ihm ist es durch seine Musik gelungen, eine breite Öffentlichkeit für die Legenden der mesopotamischen Sumer, für die Texte der Soufis, für die Werke der klassischen und zeitgenössischen arabischen Dichter und für die Poeten Andalusiens zu begeistern.

In seinen Kompositionen für "Suerte Live" folgt Abed Azrié einer ganz besonderen Energie, die im spanischen Flamenco als Duende und in der arabischen Welt als Tarab bekannt ist. Darunter versteht man einen ekstatischen Zustand, der durch Musik und Tanz und natürlich auch durch die Kommunikation zwischen den Menschen, die gemeinsam singen, musizieren und tanzen, hervorgerufen wird. Drei Ensembles aus dem Orient, der iberischen Halbinsel und Frankreich
stellvertretend für die Gemeinschaften der jüdischen, christlichen und arabischen Zigeuner -veranschaulichen diesen Prozess, bei dem der Körper vom Zauber der Musik erfasst wird.

Auf der Suche nach der andalusischen Seele vereinen sich die Stimmen Abed Azriés und Serge Giraos auf einem Hintergrund aus arabischer Musik und Flamenco. Die Fusion aus Modernität und Unendlichkeit bildet den Rahmen für diese Zeremonie des Tanzes und der Freude. Für die Texte hat Abed Azrié eine Reihe exquisiter andalusischer Gedichte aus dem 11. Jahrhundert, sogenannter wuwwashahat, ausgesucht und deren poetischen Themen in eine zeitgenössische Form gebracht.

Abed Azrié ist mit einer unvergesslichen Stimme gesegnet worden. Sein Bariton ist expressiv und emotionsreich und weist eine eindringliche Stärke auf. Diese emotionale Intensität ist wie geschaffen für seine Vorliebe für die arabische Musik und Poesie und deren ausgeprägte mystische Lehre.

Leonard Cohen und Yehudi Menuhin schätzen Abed Azrié für seine ausgefallenen Kompositionen und die Kraft seiner Interpretationen. Er selbst, von der Musikalität des Nahen Osten geradezu magisch angezogen, sieht sich als Mensch der Freiheit, der visionären Texten der Antike und oralen Traditionen durch feinfühlige Melodien zu einer modernen Existenz verhilft.

Charlie Mariano & R.A. Ramamani

Anne Sasson — 2007-01-03T13:01:17Z

Die gemeinsame Geschichte von Charlie Mariano und R.A. Ramamani beginnt nicht in einem verträumten südindischen Dorf, wie es sich für ein musikalisches Märchen schicken würde, sondern im Jahre 1980 im süddeutschen München. Als der US-amerikanische Saxophonist die indische Komponistin und Sängerin kennen lernt, hat er bereits jede Menge Noten angefertigt, um die musikalischen Eindrücke mehrerer Studienaufenthalte in Indien einzufangen. Ramamani ihrerseits ist umgeben von indischen Gottheiten und Spiritualität und spürte von klein auf, dass Musik weit mehr als nur Virtuosität bedeutet. Zwei starke Persönlichkeiten stehen sich bei den Aufnahmen von "Om Keshav" gegenüber, die eine davon überzeugt, Musik stehe für sich selbst, die andere der Meinung, die Seele bestimme über die Qualität und Schönheit der Musik. Trotz dieser scheinbar gegensätzlichen Auffassungen und dank intensiver Probezeit in den Räumen des Karnataka College of Percussion entstand in nur vier Tagen konzentrierter Studioarbeit, bei denen alle Stücke gleich im ersten Take stimmten, ein harmonisches und wohlklingendes Album. Mit Ausnahme von einer Komposition Charlie Marianos stammen die Werke von Ramamani, die traditionelle Texte aus südindischer Überlieferung vertonte. Es ist ihr gelungen, eine getragene und durchgehend entspannte Musik vorzulegen, bei der ihre Stimme in vibratoreichen Gesangslinien über dem Perkussionsgeflecht schwebt und dem virtuosen Mariano den notwendigen Freiraum lässt, sein sanftes und unverkennbares Spiel zu entfalten. Charlie Mariano wurde als Carmine Ugo Mariano im Jahre 1923 in Boston als Sohn italienischer Einwanderer geboren. In den frühen vierziger Jahren beginnt er seine Karriere als Jazz-Saxophonist in seiner Heimatstadt, wo er auch seine Frau, die japanische Pianistin Toshiko Akiyoshi kennen lernt. Gemeinsam ziehen sie erst nach New York, dann nach Tokio. Der Wanderer zwischen den Welten, wie Charlie Mariano genannt wird, pendelt zwischen Amerika und Europa, spielt mit beinahe allen Größen der Jazzgeschichte wie Dizzy Gillespie oder Charles Mingus. In seiner Zeit als Dozent an der Bostoner "Berklee Music School" gerät er in Kontakt mit südindischen und malaiischen Musikern und reist nach Kuala Lumpur. Zurück in Europa lässt er sich in Den Haag nieder, tingelt durch die Clubs, gründet mit dem Keyboarder Jasper van´t Hof die Jazz-Rock-Gruppe "Pork-Pie" und vertieft seine Beziehung zu Asien: ein Jahr lang lebt er im indischen Dorf Thiruvarankulum, wo er die traditionelle indische Lebensweise und insbesondere die Musik kennen lernt. Auf das immense Talent von R.A. Ramamani wird er erst bei ihrem Münchener Auftritt mit dem Karnataka College of Percussion aus Bangalore im Jahre 1980 aufmerksam. Die international renommierte Meisterschule südindischer Perkussion- und Vokalmusik kam auf Einladung einer der ältesten deutschen Rockbands, Embryo, in der Charlie Mariano regelmäßig als Gastsolist mitgewirkt hat. Zu diesem Zeitpunkt wird die Gründung von "Jazz Yatra", Ramamanis erster Band, in Bombay wärmstens begrüßt. Ramamani wurde seit ihrem fünften Lebensjahr dazu ausgebildet, die Spiritualität ihres Volkes durch die traditionelle Musik aus Karnataka den nachkommenden Generationen zu überliefern. Die Sängerin, Komponistin und Lehrerin ist ebenfalls Vizepräsidentin des Karnataka College of Percussion. Ihr fundiertes Wissen, ihr Improvisationstalent und ihre Offenheit gegenüber anderen Musikrichtungen führten sie auf die großen Bühnen dieser Welt: das Berlin Jazz Festival, das North Sea Festival, Jazz Jambourie, das Octogon Theatre Perth, die Queen Elizabeth Hall in London oder die Oper in Bayreuth. So können sich zwei Gegensätze nicht nur anziehen, sondern auch Wunderbares miteinander vollbringen. Nach den bereits erfolgreichen Alben "Live with The Karnataka College Of Percussion" oder "Bangalore" weist heute "Om Keshav" die Qualitäten eines Klassikers auf, das den aufmerksamen Hörer in seinen Bann ziehen wird.

Issac Delgado

Anne Sasson — 2007-01-03T12:58:26Z

"Hinter seiner besonderen Stimme stecken eine brillante Interpretation aller unserer kubanischen Musikgenres, stilvolle und gepflegte Texte, anspruchsvolle Orchestrierungen und die größte Sorgfalt im Studio." ADALBERTO ALVAREZ, "El Caballero del Son"

"Erneut erklingt die Stimme Issac Delgados melodiös und derart kubanisch! Der Sonero, Rumbero,Timbero und meiner Meinung nach vor allem Salsero Issac Delgado kommt mit einem neuen Album voller tanzbarer Musik zurück, das streckenweise von der romantischen Stimmung unserer Boleros beeinflusst wird, die Issac so perfekt einzuflechten vermag." JUAN FORMELL, Los Van Van.

Auf Kuba ist Issac Delgado seit Jahren ein Star, der sich nicht um Trends schert. Seine Leidenschaft gilt dem Salsa, egal ob er mit kraftvollen Funken sprüht oder süß wie Honig und hochgradig romantisch fließt. Nach langjähriger Pause nimmt er für das französische Label Lusafrica ein neues Album auf. Prohibido wurde in den Abdala Studios von Alan Pérez meisterhaft produziert (Delgados ehemaliger Bassist lebt heute in Madrid, wo er mit Paco de Lucia spielt) und in New York abgemischt. Wieder einmal hat Delgado die venezolanischen Perkussions-Brüder Luis und Roberto Quinterto eingeladen, die die namhaftesten Musikern begleitet haben (Oscar D' Leon, Tito Puente, Celia Cruz, Eddie Palmieri, Ray Barretto, Cachao, Gato Barbieri, Gonzalo Rubalcaba, La India). Vania (ex-Bamboleo) und Coco Freeman (ex-NG la Banda) singen im Chor, Rolando Luna bedient die Klaviertasten, und die fantastischen Blasinstrumente werden unter anderem von Amaury Perez, Roman Filiu et Juan M. Ceruto gespielt. Das Repertoire umfasst Standards wie la Titimania von Los Van Van und nimmt Anleihen an der brasilianischen Musik mit Mimar Você von Caetano Veloso. Doch die Fans der kubanischen Musik werden von Titeln wie Y que tu quieres que haga , Que puedo yo , Adan y Eva oder Si te gusta mi compás begeistert sein.

Issac Delgados Geschichte beginnt am 11. April 1962 nord-östlich von Havanna, ganz nahe dem berühmten Club Tropicana. Sein Vater ist Schneider, seine Mutter Schauspielerin, Sängerin und Tänzerin bei den Mulatas de Fuego, einer angesagten Gruppe der 40er Jahre. Das wird den kleinen Issac erst später beeinflussen, der in jungen Jahren zwar Cello lernt, allerdings ohne richtige Begeisterung für Instrument und Musik. Das ändert sich, als der Pianist Gonzalo Rubalcaba den inzwischen Achtzehnjährigen in die Gruppe Proyecto integriert. Er nimmt Gesangsunterricht und beginnt eine professionelle Laufbahn im Jahre 1983 beim Orquesta de Pacho Alonso. Fortan führt sein Weg steil nach oben zu Ruhm und Erfolg. Nach seinen ersten Auslandstourneen und einem Album mit der Band tritt er als Solist neben Tata Güines, Elena Burke, Los Papines im Tropicana auf. Im Jahre 1988 wird Issac Delgado Sänger von NG La Banda und bleibt bis 1991 in der Band, um dann vom Publikum getragen, das sein Talent überaus schätzt, eine Solo-Karriere mit eigenem Orchester zu starten. Er nimmt sein erstes Album "Dando la Hora" in Venezuela auf, unter der Leitung des Mannes, der als erster an ihn geglaubt hatte: Gonzalo Rubalcaba. Es folgen "El Cheveré de la Salsa" (EGREM-Preis 1995) mit Adalberto Alvarez, und "Malecon", mit illustren Gästen wie Pablo Milanés, Gonzalo Rubalcaba, Samuel Formell, Germán Velazco, Joaquín Betancourt und Juan M. Ceruto. Issac Delgado reist von Japan nach USA, von Lateinamerika nach Europa, singt mit Celia Cruz, komponiert den Hit " La vida es un carnaval " und wird zur lebenden Referenz auf der musikalischen Insel Kuba. Heute spielt der romantische Dandy und King des kubanischen Salsas eine weitere Karte auf seinem Weg nach oben: Prohibido ist die Sensation auf der Cubadisco 2005 und wird sicherlich ein Meilenstein in Issac Delgados Karriere sein.