Malagueta Music

Zeitfenster

Anne Sasson — 2007-01-03T15:00:11Z

Willkommen zu zeitfenster 2004!

Nein, nicht alle Jahre wieder. Aber alle zwei: zeitfenster ist wieder da. Nach dem großen Erfolg im Jahr 2002 öffnet es sich erneut für acht Tage und gibt den Blick frei auf vergangene und gegenwärtige Klangwelten, zeitgemäße Interpretationen und ungewöhnliche Begegnungen.

Im diesem Frühling widmet sich zeitfenster insbesondere dem Klang der Ferne: Bedeutet er Sehnsucht, Abenteuer oder Bedrohung? Was scheint uns vertraut, was fremd? Ist das Andere ein Spiegel des Eigenen? Gehen Sie mit uns auf eine imaginäre Reise, eine Reise der Phantasie. Entdecken Sie die Bandbreite menschlicher Stimmen und die überraschende Vielfalt kultureller Wurzeln im Klang der Ferne.

Ausführliche Informationen zum Klang der Ferne sowie zum gesamten zeitfenster-Programm (focus 2004: Teufelsgeiger - spezial 2004: Grenzgänge) unter www.zeitfenster.net oder www.konzerthaus.de

SO 28.3.2004 & MO 29.03.2004 - 20.00 Uhr - Konzerthaus Berlin, Großer Saal Wolfgang Amadeus Mozart: Die Entführung aus dem Serail Hundert Jahre nach dem Trauma der türkischen Belagerung Wiens gruselte man sich zu Mozarts Klängen der Ouvertüre genüsslich - und doch zeichnet Mozart in der Figur des fremdländischen Herrschers Bassa Selim in aufklärerischer Manier den idealen Fürsten, der großzügig Gnade vor Recht ergehen lässt. Und am Ende triumphiert die Vernunft: "Nichts ist so schändlich als die Rache!" Damit Sie sich schon beim Betreten des Konzerthauses wie in einem Serail fühlen, bereitet Ihnen das Ensemble des Berliner Konservatoriums für Türkische Musik einen klingenden Empfang. Dieter Mann, Bassa Selim; Laura Aikin, Konstanze; Topi Lehtipuu, Belmonte, u.a. Akademie für Alte Musik Berlin; Vocalconsort Berlin, Jos van Immerseel, Dirigent Ensemble des Konservatoriums für Türkische Musik Berlin

DI 30.3.2004 - 20.00 Uhr - Konzerthaus Berlin, Werner-Otto-Saal Hammerflügel & Santur Was haben zwei Instrumente aus völlig verschiedenen Epochen und Kulturkreisen miteinander zu tun? Der Jahrtausende alte, aus Persien stammende Santur, ein trapezförmiges hölzernes Saiteninstrument, das mit filigranen Holzlöffeln angeschlagen wird, entpuppt sich beim näheren Hinsehen bzw. -hören als der "Urvater" unseres Klavieres. Während der Hammerflügel der Mozartzeit in seiner Klanglichkeit erst in den letzten Jahren wiederentdeckt wurde, kann der Santur auf eine uralte, ungebrochene Spieltradition zurückblicken. Eine Klangkonfrontation, vorgetragen von zwei wirklichen Meistern ihres Faches. Jos van Immerseel, Hammerflügel nach Anton Walter Behnam Manaheji, Santur

MI 31.3.2004 - 20.00 Uhr - Konzerthaus Berlin, Werner-Otto-Saal Laute & Ud Laute und arabische Ud verbinden engste familiäre Beziehungen: im frühen Mittelalter wurde das arabische Zupfinstrument nach Mitteleuropa importiert und im Laufe der Zeit modifiziert. Aus Al-Ud wurde Lute/Laute. Die direkte Gegenüberstellung allein verspricht schon einen spannenden Abend, noch dazu sind hier zwei herausragende Solisten zu hören: Rolf Lislevand hat vor zwei Jahren bei seinem zeitfenster-Debüt die Meßlatte bereits sehr hoch gelegt, Farhan Sabbagh wird nicht nur in seiner syrischen Heimat und seiner Wahlheimat Berlin als Solist stürmisch gefeiert. Wir hoffen, dass sich die beiden gegen Ende des Konzertes zu einer gemeinsamen Improvisation hinreißen lassen werden... Rolf Lislevand, Theorbe Farhan Sabbagh, Ud

DO 1.4.2004 - 20.00 Uhr - Konzerthaus Berlin: Großer Saal vocal traditions Gregorianischer Gesang der Dominikanerklöster, bulgarische Hochzeitsgesänge, Motetten von Ockeghem, traditionelle liturgische Musik aus Sardinien: Gesänge von Sonnenaufgang bis Sonnenuntergang. Anhand eines fiktiven Tages zwischen den Zeiten gibt das Projekt vocal traditions eine Idee von der unglaublichen Vielfalt europäischer Vokaltraditionen und den Möglichkeiten der menschlichen Stimme. Ein einzigartiges Ereignis, zumal hier zum ersten Mal zwei der besten Rundfunkchöre Europas zu einem vokalen Gipfeltreffen zusammenkommen. RIAS-Kammerchor; The Bulgarian Voices - Angelite; Tenore et Concordu d'Orosei Bob Chilcott, Dirigent

SA 3.4.2004 - 20.00 Uhr - Konzerthaus Berlin: Großer Saal, Kleiner Saal, Musikclub, Werner-Otto-Saal, Foyers Die Nacht des Marco Polo 1254 erblickte der wahrscheinlich berühmteste Reisende aller Zeiten in Venedig das Licht der Welt. Reisebüros und Reiseliteratur, eine ganze Industrie lebt vom guten Namen des legendären Venezianers. Grund genug für zeitfenster, dem Jubilar eine ganz spezielle Geburtstagsparty auszurichten. Erstklassige Musiker aus Europa, Tadschikistan, Armenien, Persien, der Mongolei und China treffen sich im Konzerthaus, um mit dem Publikum eine akustische Reise entlang der historischen Route zu unternehmen. Lauschen Sie von Acht bis Mitternacht in allen Räumen des Hauses aufregend fremden Klängen, bestaunen Sie Instrumente wie Musiker und lassen sich etwas vorlesen: aus Marco Polos Tagebuch.

Italien: Lena Susanna Norin , Maria Jonas, Susanne Ansorg Persien: Behnam Manaheji, Santur Armenien: Kotchnak Tadschikistan: Abdulvali Abdurrashid, Tanbur Mongolei: Egschiglen China: Ensemble Traditionel et Contemporain, Lingling Yu Thomas Neumann, Vorleser

zeitfenster 2004 wird veranstaltet vom Konzerthaus Berlin und Uhde&Harckensee Musikmanagement

Gefördert mit Mitteln des Hauptstadtkulturfonds Unterstützt von: nh hoteles, Wall AG, Kulturkaufhaus Dussmann

Ausführlicher Pressetext als Word Dokument hier zum herunterladen.

Armenian Navy Band

Anne Sasson — 2007-01-03T14:57:14Z

Die ARMENIAN NAVY BAND ist zweifellos der vollkommenste Ausdruck von Arto Tunçboyaciyans 35-jähriger musikalischer Reise, seiner Virtuosität als Komponist, Multiinstrumentalist und Sänger sowie seiner Lebenserfahrungen und -philosophie.

Als er 1998 in der armenischen Hauptstadt Yerevan, im Lande seiner Vorväter, zum ersten Mal elf junge, weltoffene und begeisterungsfähige Musiker zu einer Session einlud, die sowohl auf traditionellen Folkinstrumenten wie Duduk, Blul, Zurna, Kemanche, Kanun aber auch auf zeitgenössisch-westlichen Instrumenten wie Posaune, Alt-, Tenor-, Sopransaxophone, Trompete, Bass, Schlagzeug, Keyboard und Piano spielten, wurden seine Klangwelten endlich in der Form hörbar, die er sich seit langem gewünscht hatte und die seiner Identität entsprach.

Es ist unmöglich, den ungewöhnlichen Lebensweg von Arto Tunçboyaciyan in knappen Worten nachzuzeichnen. Seine Mitwirkung als Komponist und Interpret bei mehreren hundert Aufnahmen in Europa, Amerika und Asien, seine fast 20 eigenen Alben mit ausschließlich eigenen Kompositionen und Texten, interpretiert von ihm selbst und eingespielt mit Unterstützung von musikalischen Weggefährten wie seinem Bruder Onno, Ara Dinkjian, Joe Zawinul, Paul Winter oder Serj Tankian, als Solist, im Duo oder mit seinen Bandformationen Night Ark und heute der ARMENIAN NAVY BAND - all dies ist ein authentisches Zeugnis seines lebenslangen Ringens um seine höchsten Werte: Wahrhaftigkeit, Liebe und Respekt.

Arto Tunçboyaciyan wird von berühmten Musikerkollegen neidlos als einer der vollkommensten Musiker unserer Zeit bezeichnet. Er ist ein bemerkenswerter Komponist, dessen Stücke faszinierende Klanglandschaften darstellen. Als ausgezeichneter und hoch geschätzter Percussionist beschränkt er sich nicht auf das gewohnte Instrumentarium. Er betrachtet seinen eigenen Körper als Instrument und alles, was dazu dient, seinen Gefühlen und seiner Seele musikalisch-künstlerischen Ausdruck zu verleihen, bringt er auf seine ganz persönliche Art zum klingen: die poetische Kraft seiner Liedtexte drückt er mit einzigartiger Stimme aus, die zerbrechlich-melancholischen Stimmungen schwerer menschlicher Prüfungen lässt er auf der selbst entwickelte kleinen Laute Bular erklingen, überschäumende Freude trommelt er auf den von ihm entworfenen hand drums Bakdav, schalkhaft-naive Glückseeligkeit entlockt er einer simplen Wasserflasche.

In seinen mehr als 500 komplexen Kompositionen - von Kinderliedern bis Filmmusiken, von Pop Songs bis Jazz Standards - bilden ewige Konstanten: sein ungebrochenes Vertrauen in die Natur und in die Zukunft, sein Wissen um die Unendlichkeit der Seele und sein Glaube an die Kraft der Liebe.

Heute legt Arto Tunçboyaciyan mit dem neuen Album seiner ARMENIAN NAVY BAND "Sound of Our Life - Part One: Natural Seeds" ein ungewöhnliches Werk vor: eine fast 50-minütige Komposition in elf Teilen, die der Natur gewidmet ist. "Natural Seeds" nimmt den Hörer ein Stück des Lebensweges mit, den Arto Tunçboyaciyan und seine Musiker gegangen sind. Die Aufnahme markiert gleichermaßen die Rückbesinnung auf den Ursprung der musikalischen Saat der ARMENIAN NAVY BAND, auf die unbändige Freude und grosse Zuneigung der Musiker der Band untereinander, die sie im Hier und Jetzt des gemeinsamen Lebens auch außerhalb der Musikstudios und -bühnen verspüren, sowie auf den hoffnungsvollen selbstbewussten Blick in die Zukunft. Das ist eben Avantgarde Folk, wie sie Arto Tunçboyaciyan begreift! Das Projekt "Sound of Our Life" ist für ihn eine nie endende musikalische Zukunftsdokumentation.

Fortsetzung folgt....

Djamel Laroussi

Anne Sasson — 2007-01-03T14:52:29Z

"Algerier zu sein heißt nicht nur, arabisch zu sein. Wir sind eine Summe aus den Ureinwohnern, also den Berbern und den ganzen Invasionswellen danach, den Phöniziern, den Arabern, den Römern, den Türken, den Franzosen. All das bedeutet algerisch."

Derart lebendig zeichnet Djamel Laroussi das Bild seiner Heimat. Der Sänger, Komponist, Arrangeur und Multi-Instrumentalist hat dieses farbenprächtige Kulturmosaik in seinem Werk vielleicht am konsequentesten unter all seinen Landsleuten in die Gegenwart übertragen. Fernab der Raï-Stereotypen, mit denen Algerien im Okzident behaftet ist, präsentiert er einen wahrhaft globalen Setzkasten von Rhythmen, Harmonien und Melodien:

In seinen packenden, sofort eingängigen Songs siedeln vertrackte Rhythmen aus Ägypten und Marokko neben Salsa- und Samba-Anleihen, vermählen sich mit Grooves aus Guinea und Kamerun. Eingebettet in Popstrukturen ertönen die rituellen Zeremonien der Gnawa, jenen mystischen Sufi-Bruderschaften, die als schwarze Minderheit im Maghreb leben. Jazzrock geht eine bezwingende Liaison mit Rap und Raï ein, Balladen schwelgen in farbenprächtiger arabischer Liebespoesie und Parabeln.

Der Mann aus Algier steckt seine Ohren von Jugend auf in zwei Klangwelten: Mit den traditionellen Klängen bei den einheimischen Festen wächst er ganz automatisch auf, nebenbei eignet er sich auf seiner Gitarre die Songs der Beatles, von Stevie Wonder und Wes Montgomery an. Da Djamel Autodidakt ist merkt er zunächst gar nicht, dass er eine Rechtshändergitarre "falschherum" spielt und das in solch einer atemberaubenden Geschwindigkeit und faszinierenden Spielweise, dass es sehr schwer fällt, seinem handwerklich perfekten und optisch ungewöhnlichem Spiel zu folgen. Ende der Achtziger wagt er den Sprung nach Europa:

Als einer von wenigen Gitaristen besteht er auf Anhieb die Aufnahmeprüfung und studiert als erster Afrikaner überhaupt an der Kölner Musikhochschule Jazz (Gitarre und Schlagzeug). Und neben Theorie und Jazzharmonik bewahrt er sich den Spaß an Musik und Rhythmus. So kam es Djamel sehr gelegen, als er noch während seines Studiums mit Cheb Mami auf Welt-Tournee gehen darf, da er so Abwechslung vom universitären Alltag bekommt. Weiterhin spielt er mit Graham Haynes auf den Leverkusener Jazztagen und mit dem Weltklassegitarristen Nelson Veras auf dem Gipfeltreffen der Chet Atkins/Marcel Dadi Assosciation zu dem er von Marcel Dadi persönlich eingeladen wird. Djamel gibt Masterclasses und spielt für den Gitarrenhersteller Takamine.

1997 erscheint Djamels erstes Solo-Album "Sapoulaty", über das die Zeitschrift Jazzthetik urteilt, hier sei "genau der Ansatz einer Popmusik" zu finden, "die sich von den Schubladen der Worldmusic genauso unabhängig machen könnte, wie von den Trends der Popmusikmärkte."

Mit seinem zweiten, 2003 erschienenen Album, hat Djamel, der mittlerweile in Paris seine Wahlheimat gefunden hat, seine Position als einer der führenden exil-algerischen Musiker ausgebaut. "Etoile Filante", dessen Titelstück sich über Monate in den Charts Algeriens auf Spitzenplätzen gehalten hat, verblüfft durch einen Ideenreichtum, den er aus einem unermesslich tiefen Brunnen zu schöpfen scheint. Bauchtanz- und Bossarhythmik, eine Berber-Salsa, Geisterbeschwörungen, die sich unmerklich in einen Jazzrock verwandeln, marokkanische Melhoun-Poesie und Rap.

Djamel Laroussi selbst hat für die ausgebreitete Vielfalt ein schönes Bild parat: "Ich vergleiche die Rhythmen verschiedener Kulturen mit Treppen. Treppen an sich gibt es überall, nur sind die Stufen unterschiedlich. Wenn ein Europäer im Kongo eine Treppe hochsteigt, dann kann es schon mal sein, dass er stolpert."

Dass auch ein europäisches Publikum bei Djamels Musik nicht strauchelt, dafür sorgt die perfekte Verpackung der komplexen Zutaten. Besonders bei seinen atemberaubenden Live-Konzerten wird ohren- und augenfällig, wie mühelos und natürlich der Algerier und seiner exzellente Gruppe mit verzwickten Metren, anspruchsvollem Entertainment und Hitpotential jonglieren. Seine Fans haben den ausdrücklichen Wunsch nach einem Livemitschnitt geäußert - Djamel ließ sich da nicht zweimal bitten und auf CD und DVD liegt nun eines seiner unbestrittenen Konzert-Highlights vor.

Von der ersten bis zur letzten Minute gibt sich das perfekt aufeinander abgestimmte Sextett um den Mann aus Algier funkensprühend und spielfreudig. Djamel beweist, dass er nicht nur die Gitarre vortrefflich zu handhaben weis, er begeistert außerdem noch an dem Sahara-Bass Goumbri und zeigt sein Können als Percussionist an vornehmlich traditionellen Instrumenten wie der T'Bel und der Bendir. Doch nicht nur Djamel, auch alle anderen Bandmitglieder, die er persönlich ausgesucht und zur einer hervorragenden Einheit gebildet hat, zeigen sich als Multi-instrumentalisten, singen und tanzen in einer Intensität, dass oft der Eindruck entsteht, es würden 12 und nicht 6 Musiker auf der Bühne stehen.

Mit dem Keyboarder Smail Benhouhou, dem Saxophonisten Momo Mazouni, dem Bassisten Tarik Gasmi, dem Drummer Guy Nwogang und dem senegalesischen Djembe-Derwisch Issakha Sow hat Djamel die perfekte Gruppe um sich vereint, die ihm in Spielfreude, Können und Bühnenpräsenz in nichts nachsteht.

Nachdem das perkussive Gnawa-Ritual "Lâafou" der Band als zeremonieller Einzug auf die Bühne gedient hat, beginnt das extrem abwechselungsreiche Konzert. Es geht querbeet durch ein überraschendes Programm. "Mazal" versieht Laroussi mit einem halsbrecherischen, arabesk mäandrierenden E-Gitarren-Intro, bevor kabylische Elemente auf Salsa-Muster treffen. In "Aho" vereinigt sich die Gruppe zu einem knackigen, kraftgeladenen Trance-Percussionorchester nebst Chor der sich zum Schluß in Gospel verwandelt. "Toumba", mit einem cleveren Mix aus Châabi, der Pop-Musik Algeriens und einem Gnawa-Intermezzo, begeistert durch das anziehende Finaltempo. Im Chart-Erfolg "Etoile Filante" steuert Momo Mazounis Saxophon raffinierte Einwürfe bei und im zweiten Teil des Stückes mutiert der Ohrwurm mit einer neu rhythmisierten Melodie zur ungewöhnlichen extended version. Mit "Mani Man" leitet eine balladeske Einlage zum erdigen "Hasna" über. Über der swingenden Wüstenlaute Goumbri vereinigt sich die Band zu einem saharischen Chor, der von den Ahl-El-Lil-Beduinen inspiriert ist. Eine geradezu hardrockige Einlage kommt dann noch in "Maal Maa" auf den Hörer zu, bevor in einem turbulenten Medley schließlich Djamel und seine Musiker die Höhepunkte des Konzerts als Zugabe aufblitzen lassen.

Wer das enthusiastische Publikum sieht, bereut, nicht dabei gewesen zu sein. Mit seiner Live-Band hat Djamel Laroussi die idealen Partner aufgestellt, um seinem Unikat aus maghrebinischen, jazzrockigen, funkigen, karibischen und saharischen Farben in der Bühnenfassung noch mehr Strahlkraft zu verleihen.

Die Essener Wochenpost schrieb nach einem Konzertbesuch: "…Wem beim Auftritt dieses Künstlers und seiner Band nicht die Tanzbeine zucken, liebt entweder nur Marschmusik oder dem ist wohl nicht mehr zu helfen - ein absolutes Muss."

Djamel Laroussi - Live

VÖ-Termin: 17.05.2004 (dad003 - dadoua records / indigo)

CD:

1/ Laâfou 2/ N'Kodo 3/ Koubaily 4/ Mazal 5/ Aho 6/ Manandabo 7/ Ahoualik 8/ Toumba 9/ Etoile Filante I 10/ Etoile Filante II 11/ Mani Man 12/a Hasna 12/b Banya 12/c Tougra 13/ Maal Maa 14/ Medley

DVD:

1/ Laâfou 2/ N'Kodo 3/ Koubaily 4/ Mazal 5/ Aho / Manandabo 6/ Toumba 7/ Etoile Filante 8/ Mani Man 9/a Hasna 9/b Banya 9/c Tougra 10/ Maal Maa 11/ Medley

Lo'Jo

Anne Sasson — 2007-01-03T14:50:07Z

Das wunderschöne Tal entlang der Loire wird gewöhnlich mit geschichtsträchtigen Schlössern und aufmunterndem Rosé d'Anjou in Verbindung gebracht. Eine hierzulande weitest-gehend unbekannte Überraschung dieser französischen Gegend ist sicherlich Lo'Jo, eine Band, die von der englischen Zeitung "The Independant" als "eine der besten live Bands der Welt" gepriesen wurde. Ihr letztes Album "Au Cabaret Sauvage" zählte laut Billboard zu den besten Weltmusikalben des Jahres 2002. Nachdem Lo'Jo erfolgreich auf allen Kontinenten gespielt hat, ist es im Mai endlich soweit: die sechs Musiker werden in fünf deutschen Städten ihre einzigartige Mischung aus Musette, Chanson, afrikanischen und arabischen Sounds, Dub und Funk präsentieren.

Seit 20 Jahren bildet Lo'Jo den Mittelpunkt einer kreativen Bewegung von Künstlern, Filmregisseuren, Poeten, Zirkusakrobaten und Pyrotechnikern. Aus den anfänglich "anarchistischen und poetischen Experimenten" ist ein ausgereifter Sound entstanden, der sich von der Vielfalt der Welt genährt hat. Denis Péan, Sänger und Multiinstrumentalist, wird vom orientalisch anmutenden Chorgesang der beiden Nid-El-Mourid Schwestern und der streckenweise osteuropäischen Geige von Geiger Richard Bourreau begleitet. Fröhliche Rummelatmosphäre vermischt mit den Riten der Touaregs, urbane Poesie ähnelt plötzlich dem Gesang afrikanischer Griots.

Exzentrisch und lyrisch, entdeckungsfreudig und kreativ: die Damen und Herren von Lo'jo bringen alles mit, was ein spannendes Konzert ausmacht. Soviel Fantasie und Talent sollte man sich auf keinen Fall entgehen lassen.

Tourdaten 2004 14.05. Frankfurt - Brotfabrik 15.05. Berlin, Ufa Fabrik 18.05. Koblenz, Cafe Hahn 21.05. Bremen, Schlachthof 22.05. Hilden, Jazzfest

Offizielle Webseite der Band: http://www.lojo.org

Miary Lepiera

Anne Sasson — 2007-01-03T14:47:41Z

Soweit der Komponist, Gitarrist und Sänger Miary Lepiera zurückdenken kann, ist er Musiker gewesen. Er wurde im Jahre 1976 im Südwesten Madagaskars geboren, wo er bei einer sehr christlichen Adoptivfamilie aufwuchs. Da es ihm nicht erlaubt war, den traditionellen Veranstaltungen der Dorfgemeinschaft beizuwohnen, durfte er selbstverständlich auch nicht ihre Musikinstrumente lernen. So baute er sich eine Art Mandoline und brachte sich das Spielen selbst bei. Dahingegen wurde seine Stimme im Kirchenchor der Gemeinde früh gefördert. Mit 16 Jahren verließ er die Schule und widmete sich vollkommen der Musik. Zu dieser Zeit fand er heraus, dass seine leiblichen Eltern Musiker waren, was den jungen Mann in seiner starken Bindung zur Musik bestätigte. Er widmete sich ganz der Gitarre und tourte mit zahlreichen Musikern durch Madagaskar, bis er Mitte der 90er Jahre mit der Band "Njava" nach Europa flog und sich anschließend in Brüssel niederließ.

Miary Lepiera ist damals 18 Jahre alt und kämpft, um in der belgischen Haupstadt Fuss zu fassen. Er lernt viel im Zusammenspiel mit dortigen Jazzmusikern, und vor allem die Begegnung mit Philippe Catherine wird von großer Bedeutung sein. Letzterer ermutigt ihn, seinen eigenen Stil weiterzuentwickeln, und Miary wird nach langjähriger Arbeit als Virtuose des Spiels mit offenen Stimmungen - open tuning - allgemein anerkannt. 1997 fühlt er sich stark genug, um als Sänger und Gitarrist mit seinen eigenen Kompositionen aufzutreten und gründet seine Band "Sairy" - übersetzt: "Künstler". Knapp zwei Jahre später erscheint das erstes Album, "Bitsibitsiho", eine glückliche Annäherung zwischen madegassischer Musik und amerikanischen Jazz.

Mit seinem zweiten Album "SORO" verfolgt Miary Lepiera weiterhin sein künstlerisches Ziel und arbeitet an einer zeitgenössischen madegassischen Musik, die einerseits auf den kulturellen Wurzeln seines Landes aufbaut, aber auch zahlreiche Elemente des afrikanischen Kontinents einbezieht. Sicherlich sind die Afro-Pop Anleihen unüberhörbar, streckenweise an Makossa oder südafrikanische Musik erinnernd. Kein Wunder, denn seine Musiker stammen aus Togo, Burkina Faso, Angola, Kamerun, Madagaskar und ... Griechenland! Gleichzeitig bewegt sich der Sound in warmen und freundlichen Gefielden zwischen traditionellen Balladen, spirituellen Ritualen und ruralen Melodien. Miary Lepiera trägt seine Kompositionen mit einer modulations-reichen Tenorstimme vor. Die typische südwestliche madegassische Musik wird mit elektronischen Sounds vermischt, und der Gesang der dort lebenden Pygmeen wird als Sample eingesetzt. Der Rhythmus der Katsa (einer Art Maracas) zieht sich durch das gesamte Album durch, die Gitarre klingt teilweise wie eine Marovany.

Miary Lepieras Texte handeln von der Freundschaft, dem Mangel an Solidarität, der Korruption oder ganz einfach von der Liebe. Der Titelsong "Soro" befasst sich mit einer uralten Tradition - das Opfern eines Lebens, um ein Anderes zu retten -, die sowohl in Madagaskar als auch in vielen zentralafrikanischen Ländern beheimatet ist. Mit "Soro" ist Miary Lepiera ein Album geglückt, dessen Musik fest auf Madagaskar verwurzelt ist, jedoch gerne über die Straße von Mosambik nach Afrika hinüberschaut, um anschließend die weite Reise nach Europa anzutreten!

Miary in der Sommer-Playlist von Radio France Internationale!

Janice deRosa & Djeli Moussa Conde

Anne Sasson — 2007-01-03T14:45:14Z

Janice deRosa wurde in New York geboren, wo sie im schwarzen Harlem zu Motown Sounds aufwächst. Mit 10 Jahren spielt sie erstmals auf dem Klavier ihres Großvaters, dann lernt sie Gitarre spielen und kann sich schon früh auf der Bühne selbst begleiten.

Ihre Karriere beginnt sie als Lala deVine, unter diesen Namen geht sie mit Talking Heads und B52's auf Europatournée. Später spielt sich mit der Band "Appolinaires" und beginnt, afrikanische und Pop Sounds zu mischen.

Zwischen 1990 und 1994 pendelt Janice deRosa zwischen Hudson River und Seine und erobert die Pariser Clubs im Sturm. Bis zu zwanzig Mal im Monat singt sie dort den Blues, das Publikum liebt "diese weiße Frau mit der schwarzen Stimme". Diese Bezeichung weckt die Neugierde des Radio Nova Moderatoren Mc Iba. Nach einem Konzert lädt er sie in seine Sendung ein, wo sie spontan mit dem Afrikanischen Musiker Mangala live singt. Manch einer behauptet, an diesem Tag im Jahre 1994 sei der Mandingue-Blues geboren. Jedenfalls stellt er einen Meilenstein in Janice deRosas musikalischen Entwicklung dar. Nach kürzester Zeit lernt sie den Koraspieler Djeli Moussa Diawara kennen und nimmt mit ihm "Afroblues" auf. (WEA)

Bis 2002 tourt Janice deRosa ununterbrochen durch Europa, zusammen mit Cesaria Evora, Deedee Bridgewater, Brian Eno oder Susan Vega. Zu diesem Zeitpunkt trifft sie Djeli Moussa Condé, ein Griot und Koraspieler aus Guinea, der in Paris mit Manu Dibango arbeitet. Bei ihm entdeckt Janice deRosa die Stimme und das Kompositionstalent, das sie für ihr zweites Album suchte. Aduna ("die Welt, wie sie ist") wird im Studio de la Bastille mit namhaften Musikern aufgenommen: Sal Bernardi (Gitarrist und Komponist für Rickie Lee Jones), Jay Golden (Bassist von Luther Allison and Georges Clinton), Jean-Philippe Rykiel (Keyboards) und Christian Lété (langjähriger Schlagzeuger von Charles Aznavour).

Auf Aduna ergänzen sich eine für jegliche musikalische Fusionen offene Musikerin und ein eiserner Wärter der authentischen musikalischen Tradition des schwarzen Kontinents. Janice deRosa und Djéli Moussa Condé haben die meisten Stücke zusammen geschrieben und singen sie auch gemeinsam auf Englisch, Malenki und Mandinko. Die Amerikanerin interpretiert sogar einige Songs auf Mandingue. Das Wechselspiel zwischen den beiden Stimmen - weich und leidenschaftlich bei Janice,modulationsreich und ergreifend bei Djéli - wird in traurigen Baladen von Djeli Moussa Condés zarter Kora feinfühlig unterstrichen, und die rhythmische Sektion verleiht den funkigen Stücken den nötigen Groove.

Aduna: Eine Blues-Diva trifft auf das weiblichste der afrikanischen Instrumente, die Kora. Zusammen erzählen sie Geschichten aus unserer Welt, wie sie eben ist !

Khaled

Anne Sasson — 2007-01-03T14:42:18Z

Mehrfach angekündigt und dann doch immer wieder verschoben, erscheint nun nach fünf langen Jahren endlich Khaleds neuestes Album "Ya Rayi", auf dem der "König des Raï" einmal mehr die ganze Magie dieses aus Algerien stammenden Stils entfaltet. Unter der Ägide der Produzenten Philippe Eidel, Don Was, Jacob Desvarieux und Farid Aouameur hat Khaled ein gutes Dutzend Songs aufgenommen, die all seine Fans für die lange Wartezeit entschädigen werden.

Khaled Hadj-Brahim kam am 29. Februar 1960 in Sidi El Houari, einem Vorort von Oran, zur Welt. Bereits als neunjähriger Knirps sang er bei Hochzeiten, Geburtstagsfeiern und Familienfesten traditionelle Lieder. Dann entdeckte der heranwachsende Teenager in Filmen mit Elvis Presley, den Beatles und dem französischen Rocker Johnny Hallyday, wie sehr Sänger mit ihrer Stimme Mädchen in Verzückungen versetzen konnten. Und dies erschien ihm natürlich um einiges aufregender, als bei Familienfeiern Großmütter, Tanten und Kusinen zu bezaubern. Also begann er damit, hinter dem Rücken seines Vaters die Schule zu schwänzen und sich in der florierenden Musikszene Orans herumzutreiben. Mit vierzehn Jahren nahm er bereits seine erste Single mit dem Stück "Trigue Lycée" auf, in dem es - wie konnte es anders sein - u.a. um Mädchen, Anbaggern und Schuleschwänzen ging. Das Lied war nicht nur rein textlich, sondern auch musikalisch eine ungeheuere Provokation. (Es wurde übrigens 1999 von Khaled für sein Album "Kenza" in einer neuen Version aufgenommen.)

Der junge Khaled bediente sich nämlich auch eines subversiven Musikstils, der um 1920 in den Bars und Bordellen der Hafenstadt geboren worden war und 1968 durch den Trompeter Bellemou Messaoud eine radikal Veränderung erfuhr. Messaoud revolutionierte den Raï - eine urbane Orchestermusik, die aus einer schlichten traditionellen Hirtenmusik entstanden war - unter anderem durch die Verwendung von westlichen Instrumenten wie elektrischer Gitarre, Saxophon, Geige und Akkordeon. Die Verwendung von Stilelementen des Flamenco (der wiederum selbst arabische Wurzeln besitzt), Jazz und Rock war sogar noch gewagter. All dies brachte Bellemou Messaoud verdientermaßen den Titel "Le Père du Raï" (der Vater des Raï) ein.

So richtig explodierte diese Musik aber erst mit dem Auftauchen der "Chebs" - der "Jungen" -, zu denen als einer der ersten auch Khaled gehörte. Mit dem respektlosen Titel "Cheb" (die weibliche Form ist "Chaba") grenzte sich eine neue Generation algerischer Sänger und Sängerinnen von den traditionellen Musikern, den ehrfurchtsheischenden "Cheikhs" und "Cheikhas", ab. Dennoch nahm außerhalb Algeriens bis in die 80er Jahre hinein kaum jemand Notiz von dieser Musik. Die Klänge waren einfach immer noch zu fremd für europäische Ohren.

Dies änderte sich erst ab 1986 und begann mit Khaleds atemberaubenden Auftritt bei einem Raï-Festival in Bobigny bei Paris. Schlagartig griff das Raï-Fieber auch auf Frankreich über, natürlich vor allem unter den marginalisierten Jugendlichen nordwestafrikanischer Abstammung. Khaleds Kassetten kursierten zu der Zeit zwar schon unter den Musikfans in der algerischen Gemeinde, doch sein furioser Live-Auftritt brachte ihm auch in Frankreich den Ruf ein, der "Elvis der Raï-Musik" zu sein.

Aber der Erfolg hatte seine Schattenseiten. Mit den freizügigen Texten über Sex, Drogen und Rock'n'Roll und seinem ausschweifenden, westlichen Lebensstil waren Khaled und einige seiner Kollegen den Fundamentalisten nun zunehmend ein Dorn im Auge. Also verließ Khaled Algerien und ließ sich in Paris nieder. Er sollte erst dreizehn Jahre später, im November 1999, wieder ein Konzert in Algerien geben können, zog sich aber schon 2001 durch einen gemeinsamen Auftritt mit der israelischen Sängerin Noa wieder den Zorn der Konservativen zu.

Auf seinem ersten in Europa entstandenen Album "Kutché" etablierte der Sänger 1987 gemeinsam mit dem Keyboarder Safy Boutella und dem Pariser Produzenten Martin Meissonier eine neuartige Melange aus Raï, Jazz und Pop. 1991 legte Khaled den Beinamen "Cheb" ab und unterschrieb einen Plattenvertrag bei dem Pariser Label Barclay. Ein Jahr später erschien dort das erste nach westlichen Maßstäben produzierte, groovige Album "Khaled", das den Hit "Didi" enthielt. "Didi" war das erste arabische Stück, das den Sprung in die Top 50 der französischen Popcharts schaffte. Und auch im restlichen Europa und in den USA verhallte der Song nicht ungehört. Produziert hatte dieses Album kein Geringerer als Don Was von der Band Was (Not Was).

1993 folgte "N'ssi N'ssi", produziert von Don Was und Philippe Eidel. Mit Anleihen beim westafrikanischen Highlife, östlichen Violinen, pulsierenden Tracks wie "El Marsem" und dem funkigen Titelstück (das seinem Welthit "Didi" in nichts nachstand) lotete er auf seinem zweiten internationalen Album die Grenzen der Raï-Musik noch weiter aus.

Der dritte und bislang größte Streich gelang Khaled 1996 mit "Sahra". Gemeinsam mit Philippe Eidel und seinem treuen Keyboarder Mustapha Kada legt er die Basis für das Album in seinem Heimstudio in Paris. Dann traf er sich mit Jean-Jacques Goldman, um das unvergleichliche "Aïcha" aufzunehmen. Es war Khaleds erstes Lied in französischer Sprache und es sollte in den kommenden Jahren rund um den Globus noch in diversen Sprachen zum Hit werden. Erst im vergangenen Jahr brachte das dänische Trio Outlandish "Aïcha" wieder in die oberen Regionen der internationalen Charts.

1998 erschienen gleich zwei Live-Alben Khaleds: "Hafla" war während der 1997er Tournee in Frankreich und Belgien mitgeschnitten worden und versammelte Khaleds größte Erfolge der letzten Jahre; das Doppelalbum "1, 2, 3 Soleils" bot wiederum ein Gipfeltreffen der drei sehr unterschiedlichen Raï-Stars Khaled, Rachid Taha und Faudel.

Zuletzt kam 1999 "Kenza" heraus, Khaleds viertes und letztes Studioalbum für Barclay. Mit "Kenza" wahrte Khaled zum einen Kontinuität, brach zum anderen aber auch mit einigen Gewohnheiten - wohlwissend, daß er sich damit der Kritik von Weltmusik-Puristen aussetzte. Hatte er zuvor auf seinen Alben schon mit Elementen des Reggae, Ska, Funk, Salsa, Flamenco, Calypso und Rap gearbeitet, so trieb ihn die Experimentierlust nun dazu, auch Scratches (von DJ Smash und DJ Cue) sowie Drum'n'Bass-Grooves einzusetzen. Und wie stets arbeitete Khaled mit zwei hervorragenden Produzenten zusammen, die ihn sicher in die neuen musikalischen Gefilde leiteten: Steve Hillage (der auch schon Alben von Rachid Taha sowie das Raï-Gipeltreffen "1, 2, 3 Soleils" produziert hatte) und Lati Kronlund (der Leader der Brooklyn Funk Essentials). Mit von der Partie war zudem wieder Jean-Jacques Goldman, der Khaled einmal mehr zwei brillante Songs zum Geschenk machte: "C'est la nuit" und "Derwiche tourneur".

Auch bei der Aufnahme seines neuen Albums "Ya Rayi" konnte sich Khaled wieder auf die kundige Unterstützung einiger exzellenter Produzenten verlassen. Neben Philippe Eidel und Don Was, die bekanntlich schon bei den Erfolgsalben "Khaled", "N'ssi, N'ssi" und "Sahra" federführend waren, vertraute er diesmal auch auf zwei neue Leute: Jacob Desvarieux und Farid Aouameur. Desvarieux war eines der Gründungsmitglieder der sensationellen Zouk-Band Kassav, der noch junge algerische Gitarrist, Bassist, Perkussionist, Komponist und Arrangeur Aouameur arbeitete in seiner Heimat schon mit Stars wie Takfarinas, Baâziz, Cherifa, Amar Diab, Cherine Wagdi sowie Hany Chaker und begleitete Khaled auch ins Studio, als dieser 2001 mit Compay Segundo "Saludo à chango" für dessen Album "Duets" aufnahm.

Musikalisch kehrt Khaled auf "Ya Rayi" zu der hochprozentigen, funky groovenden Mixtur zurück, die er auch schon auf seinem bislang erfolgreichsten Album "Sahra" präsentiert hatte, als er den Raï mit Elementen der lateinamerikanischen Musik und des westlichen Pop durcheinanderwirbelte. Zwar gibt es auch ein paar etwas traditioneller gehaltene Raï-Songs wie "El H'mam" (von dem es auf der CD allerdings noch einen exzellenten Remix von IAM-Mitglied Imhotep gibt), "Ya Galbi" oder "El Ghira" und mit "H'Mama" sogar ein großartiges Chaâbi-Stück, das Khaled im Duo mit Blaoui El Houari singt (Chaâbi ist ein populärer urbaner algerischer Musikstil). Der Großteil des Repertoires besteht aber aus mitreißenden Songs wie "Ya Rayi", "Zine Zina", "Lemen" oder "Yema Yema", die jede Menge Einflüsse lateinamerikanischer, schwarzafrikanischer und/oder westlicher Musik aufweisen.

Neben der normalen CD-Edition erscheint von "Ya Rayi" auch eine limitierte Auflage mit einer rund 30minütigen Bonus-DVD, auf der u.a. Videos von den Super-Hits "Didi" und "Aïcha" und Ausschnitte von dem "1, 2, 3 Soleils"-Konzert zu sehen sein werden.

Musiker: Khaled - vocals

Songs: 01. Mani Hani / 02. Ya Rayi / 03. Zine Zina / 04. El H'Mam / 05. Lemen / 06. Yema Yema / 07. Ya Galbi / 08. H'Mama / 09. Ensa El Hem / 10. Hagda / 11. El Ghira / 12. El H'Mam (Remixed by Imhotep)

Tour 2004

08.11.2004 Brüssel - Ancienne Belgique 15.11.2004 München - Muffathalle 17.11.2004 Amsterdam - Carre Theater 18.11.2004 Hamburg - Fabrik 19.11.2004 Hannover - Pavillon 20.11.2004 Berlin - Columbiahalle 22.11.2004 Stuttgart - Kulturhaus Arena 24.11.2004 CH-Genf - Grand Casino 25.11.2004 CH-Zürich - Volkshaus 26.11.2004 Frankfurt - Alte Oper 27.11.2004 Köln - Philharmonie